La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

La memoria dei materiali. Visita allo studio di Matilde Dolcetti, restauratrice a Milano

La memoria dei materiali. Visita allo studio di Matilde Dolcetti, restauratrice a Milano

La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

 

I protagonisti dell’Arte non sono solo i suoi creatori, ma anche coloro che si prendono cura delle opere per permettere alle generazioni future di poterle vedere e capire.

Se per la comprensione del valore estetico (forse) c’è ancora bisogno di persone capaci di trasmettere un contenuto profondo, come idealmente i critici e gli storici dell’arte, è essenziale che le opere stesse si possano conservare e leggere. Questo è ovvio per le opere antiche, ma lo è un pò meno per quelle contemporanee, da quando non sono costituite di sola pittura ma di materiali più svariati, spesso di assai facile deperibilità.

 

Il tavolo da lavoro nello studio di Matilde Dolcetti

Il tavolo da lavoro nello studio di Matilde Dolcetti

 

Per questo ho voluto incontrare la restauratrice Matilde Dolcetti, un leader del settore, esperta e conoscitrice della materia di cui è fatta l’Arte.

Sono andata a trovarla nel suo laboratorio, in un pomeriggio milanese d’inizio autunno.
Mi accoglie con la sua personalità croccante, con l’entusiasmo di chi non si accontenta delle sua esperienza ma cerca costantemente l’aggiornamento e il confronto curioso con i professionisti internazionali.

Il suo intervento è stato richiesto per opere di grandi protagonisti del novecento come Adami, Agnetti, Capogrossi, Piacentino, Man Ray, Albertini, Hsiao Chin, Alys, Fontana, Angeli, Arienti, Picabia, Balla, Baj, Biasi, Funi, Boccioni, Bonalumi, Calderara, Carrà, De Chirico, Dova senza esaurire l’elenco.

 

Tra gli strumenti un metro gadget di Gio Marconi

Tra gli strumenti un metro, gadget di Gio Marconi


Inizio con una domanda all’apparenza banale, ben sapendo che non esistono domande banali se le risposte sono accurate.

Matilde qual è il suo lavoro?

Fino a poco più di dieci anni fa mi definitivo restauratrice di dipinti, ora mi occupo anche di opere moderne e contemporanee lavorando spesso sul tridimensionale, sculture o installazioni, collage, materiali non tipici della pittura. Questa scelta ha cambiato radicalmente il mio modo di operare perché l’intervento su opere contemporanee obbliga il restauratore a stimoli continuamente nuovi, a incontri con gli artisti per seguire la costruzione del loro processo creativo, conoscere quelle tecniche esecutive che prima, trattando solo pittura antica, non erano così frequenti.

 

La restauratrice ci mostra la stravaganza iconografica di un dipinto

La restauratrice ci mostra la stravaganza iconografica di un dipinto

 

E’ necessario conoscere nello specifico il comportamento nel tempo di questi materiali “sperimentali”? Sono molto diversi tra loro…immagino sarà coadiuvata da molte personalità del settore.

E’ fondamentale la conoscenza intrinseca di ogni materiale su cui si va ad operare, una continua e costante formazione, seguire corsi di aggiornamento e studiare le pubblicazioni dei colleghi. Ad esempio, un paio di anni fa, ad un corso sul restauro e la conservazione della plastica all’Università di Amsterdam, ho appreso come comportarmi in presenza di questo materiale, per sapere come trattarlo e conservarlo nel futuro. Però di fronte ad un progetto concreto, e nelle fasi di intervento, bisogna consapevolmente avvalersi di colleghi specializzati nei materiali specifici e lavorare in equipe. E’ necessario capire che non si può pretendere di essere poliedrici nel nostro campo.

 

Gli strumenti del mestiere

Gli strumenti del mestiere

 

Non è ovvio domandarsi chi sono oggi i suoi clienti. L’Italia con i suoi collezionisti è una presenza forte?

Si, la maggior parte dei collezionisti privati che si rivolgono a me sono italiani, e si avvalgono del mio lavoro alcune importanti fondazioni milanesi.
I primi comprano spesso come forma di investimento diversificata. A volte si affidano ad un art dealer che acquista e rivende per loro e le opere vengono direttamente messe in un deposito senza essere nemmeno tolte dalla cassa in attesa che il loro valore salga. Altri collezionisti usano ruotare le opere all’interno della casa esponendone di diverse ogni tre mesi, amano le opere tridimensionali e di grandi dimensioni. Questi clienti sanno come è necessario conservarle correttamente e spesso il mio intervento si limita al controllo dello stato, ogni volta che escono e rientrano nei depositi.
Lo stesso tipo di intervento riguarda le Fondazioni: il vantaggio è che queste hanno un conservatore fisso che si cura della tutela dei loro beni, ma essendo aperte al pubblico subiscono spesso la curiosità e la voglia istintiva di toccare dei visitatori con conseguenti danni.

 

Un ricordo delle commissioni per la Fondazione Prada

Un ricordo delle commissioni per la Fondazione Prada

 

L’acquisizione dei clienti nel restauro si basa sul passaparola. Un po’ come si cerca un buon medico: non si va su internet e spesso quando si trova un bravo restauratore si diventa un po’ gelosi e si è restii a dare il suo nome, per poter tenere il professionista libero per un futuro incarico.
A Milano i restauratori con una certa esperienza che si occupano di interventi sul moderno e contemporaneo sono ancora pochi, si contano sulle dita d’una mano.

 

Il restauro è anche fotografico presso lo studio Dolcetti

Il restauro è anche fotografico presso lo Studio Dolcetti

 

Leggo nella sua biografia che si è formata con Edo Masini, docente di restauro di dipinti presso l’Opificio delle Pietre Dure, e di aver in seguito collaborato a lungo con lo studio Pinin Brambilla di Milano. Quali sono secondo lei oggi gli enti accreditati di maggior valore per la formazione di un restauratore, le realtà che si muovono attivamente nella ricerca scientifica?

Due capisaldi per la formazione sono sempre l’Opificio delle Pietre Dure di Firenze e L’Istituto Centrale del Restauro a Roma, sul Moderno e  Contemporaneo oggi sta sviluppandosi sempre più la Scuola della Venaria Reale di Torino.
Non si può pensare di parlare di restauro del moderno e del contemporaneo se prima non si ha ricevuto una formazione solida sul restauro in tutti i suoi processi. Poi ci si specializza, ma prima bisogna affrontare tutto il discorso tradizionale.
Inoltre è fondamentale far seguire al ciclo di studi un periodo di formazione ed esperienza di alcuni anni presso degli studi di restauro per l’applicazione di ciò che si è appreso, continuo a sconsigliare di aprire subito uno studio dopo il diploma.

 

Precisione scientifica

Precisione scientifica

 

Lei è originaria di Venezia, cosa mi può dire delle differenze, se ve ne sono, tra la pratica del restauro a Milano e in altre città?

Non lavoro a Venezia da moltissimi anni per cui non posso fare un confronto, ricordo un antico mondo fatto di botteghe e pratica artigianale, nel bene e nel male. Posso però  elencare i vantaggi di fare un lavoro come il mio a Milano, come la possibilità di frequentare numerose gallerie e di conseguenza i loro artisti e collaborare con loro. Ci sono le grandi case d’aste i cui possibili acquirenti chiedono al restauratore una consulenza sull’opera che vorrebbero battere in asta, c’è movimento nelle collezioni. Inoltre c’è forse più facilità per noi operatori nel reperire i materiali, e credo  ci sia lavoro per tutti. Almeno per il momento.

 

Memorabilia della restauratrice

Memorabilia della restauratrice

 

Non ha mai pensato di fare didattica?

E’ una questione di scelte, credo che l’insegnamento e le pubblicazioni richiedano molto tempo tale da toglierne al laboratorio, e di impostare il lavoro in maniera diversa. Alcuni colleghi lo fanno abitualmente ma a quel punto l’attività diventa un’impresa con delega obbligatoria a collaboratori per gli interventi sulle opere. Io preferisco continuare a lavorare sul campo, essere io responsabile di quello che esce dal mio laboratorio e dedicarmi alla formazione personale. Ad esempio il prossimo seminario tratterà il restauro e la ricostruzione digitale 3D e sarà organizzato dal centro di studi CESMAR7.

 

Particolare del laboratorio

Particolare del laboratorio

 

A quali problematiche va incontro più spesso un’opera d’arte contemporanea?

I materiali costitutivi sono il problema maggiore , si pensi alle opere di Gilardi in gommapiuma o al polistirolo di Colombo , materiali non testati nel tempo e molto fragili che andrebbero esposti con parametri rigidissimi di temperatura luce e umidità. Spesso è la movimentazione che rovina le opere : trasporti fatti con personale non specializzato oppure la manutenzione errata o la sottovalutazione dell’opera stessa spesso viene affidata alle cure del personale di servizio in casa, non preparato a trattare con manufatti artistici.
Oppure ci si mette il caso..(mi mostra un’’opera di
Francesco Vezzoli che ha subito un allagamento).
Spesso le soluzioni per intervenire le troviamo in campi che esulano dal nostro: ad esempio mi fu sottoposto un danno su un’installazione costituita da vecchio cuoio che era stata vandalizzata con una penna a sfera verde che non era possibile asportare in alcun modo.La soluzione la trovai da un dermatologo che la asportò con la macchina usata per eliminare i tatuaggi: questo dimostra l’importanza di una mente aperta, inventiva, e la comparazione con materiali simili.

 

Filtri di prova per la pulitura

Filtri di prova per la pulitura

 

Si confronta con gli artisti sui criteri nella scelta di un intervento?

Se si tratta di artisti viventi cerco di consultarmi con loro per conoscere il loro modus operandi, la tecnica ed i materiali impiegati. Ad esempio anni fa mi successe di dover contattare Emilio Tadini per un’opera che aveva dei sollevamenti di colore ed era molto difficile da fissare; quando al telefono gli chiesi che smalto avesse usato lui quasi vergognandosi mi disse che era vernice da carrozziere, e aggiunse che l’aveva utilizzata solo per un breve periodo. Si scusò mille volte per la fatica che stava facendomi fare!

 

La cartella colori autoprodotti

La cartella colori autoprodotti

 

 

ln ogni caso la loro consulenza e approvazione è fondamentale perché il rischio di un’operazione arbitraria anche minima è che l’opera venga disconosciuta, lo stesso vale per gli artisti scomparsi ma che hanno una loro Fondazione di riferimento : è importante rivolgersi a loro prima di progettare qualsiasi operazione e concordare con loro come agire. Ad entrambi i soggetti chiediamo anche quali sono stati gli interventi effettuati in precedenza. Sono ancora pochi gli artisti che si interessano di scegliere materiali che durino nel tempo, ma alcuni sono molto collaborativi e rendono meno difficoltoso il lavoro, soprattutto se stranieri. Ad esempio l’artista americano Gober è estremamente generoso e pignolissimo nel descrivere ogni materiale utilizzato e nel fornire le istruzioni per l’installazione.

 

Particolare di uno splendido dipinto in restauro presso lo studio

Particolare di uno splendido dipinto in restauro presso lo studio

 

Cosa è cambiato nel restauro, parlando solo degli ultimi vent’anni?

Moltissime cose, a parte corsi di aggiornamento allora rarissimi, i metodi erano piuttosto invasivi. Ora la ricerca continua si rivolge a materiali meno aggressivi, le puliture si fanno ad hoc per ogni opera tenendo conto del ph e della conducibilità della materia da trattare, usando pochissimi solventi scegliendo piuttosto tensioattivi o chelanti o morbidi gel che non penetrano negli strati pittorici. Le vernici e i colori sono autoprodotti negli studi di restauro sempre a seconda della materia da ritoccare.
In effetti a colpirmi è la tavolozza dei colori di Matilde e la  pulizia e l’ordine del laboratorio, che mi dimostra quanto mi dice sull’importanza di operare in sicurezza sulle opere e sulle formule chimiche

Mi spiega che oggi il lavoro è più lungo ma si rispetta al massimo l’originalità dell’opera.

 

Particolare di un dipinto bisognoso di restauro

Particolare di un dipinto bisognoso di restauro

 

Fino a che punto vale la pena di intervenire?

Appartengo al filone del “minimo intervento” : ogni volta che un’opera entra nello studio di un restauratore subisce un’invasione anche se a fin di bene. Lo stesso spostamento dal luogo di installazione abituale al laboratorio è un piccolo trauma. Bisogna cercare di agire intervenendo solo e unicamente per risolvere l’eventuale problema, educare il proprietario che suggerisce interventi non necessari : verniciature per rendere il colore più brillante, puliture superflue, reintelaiature in presenza di piccole lacerazioni risolvibili con una sutura localizzata.
Ci sono poi casi dolorosi in cui
“l’accanimento terapeutico” è inutile e costosissimo per un cliente ad esempio in presenza di massicci attacchi di muffa uno dei peggiori nemici delle opere : la muffa aggredisce e divora inesorabilmente e se si arriva troppo tardi nulla si può fare se non rinunciare all’opera . C’è chi decide di ridipingere totalmente ( in alcuni casi in America ridipingono totalmente le opere degli anni 50  esposte all’aperto ) o sostituire dei pezzi con materiali totalmente nuovi invece di cercare di restaurarli : più velocità e meno fatica ma a quel punto l’opera è stata fatta dall’artista o dal restauratore o a quattro mani? E in che epoca ? oggi o ieri?

 

Craquelure in evidenza su un dipinto in fase di restauro da Matilde Dolcetti

Craquelure in evidenza su un dipinto in fase di restauro da Matilde Dolcetti

 

Matilde riflette su come la deformazione professionale la porti istintivamente ad osservare l’opera esposta dal punto di vista scientifico e materiale e avvicinarsi fisicamente ad essa, quando vede in seguito la stessa opera in una mostra le pare di guardarla per la prima volta, godendone come un qualsiasi spettatore amante dell’arte.

E’ molto interessante come la visione della restauratrice dimostri che la conoscenza è spesso una questione di approccio, di come la fruizione mostri l’opera d’arte vicinissima all’essere umano, come chi l’ha generata la sua comprensione è sempre condizionata al contesto.

 

Un angolo dello studio Dolcetti

Un angolo dello studio Dolcetti

 

Termino questo viaggio nel restauro con la curiosità di un’area inesplorata.
Matilde mi parla spontaneamente del suo interesse verso la Street Art, o meglio dei murales, che la critica acclama da tempo come opere degne di interventi per la loro conservazione. La restauratrice ha trovato nell’Università di Atene contatti con professori universitari che si stanno dedicando allo studio e alla conservazione dei murales e sta progettando una collaborazione con loro. Il murale viene costruito secondo la filosofia della sovrapposizione
e il compito delicato, e interessante socialmente, è proprio quello di capire e decidere cosa e come vada mantenuto.

In Italia non è ancora così diffusa la cultura tutelativa della pittura di strada, se si pensa che Philadelphia, dove esistono più di duemila murales, utilizza l’1% delle tasse per sostenere gli artisti e la ricerca per la conservazione di tali opere. Nei progetti di Matilde Dolcetti c’è lo studio della struttura chimico-fisica dei murales e la sua evoluzione negli anni per restauro e conservazione  adeguati.

Michela Ongaretti

Foto di Giovanni Manzoni Piazzalunga

taccuino eleonora prado

Moleskine e i viaggi d’artista, la visione disegnata da Eleonora Prado. Un percorso da scoprire allo Spazio Tadini

Moleskine e i viaggi d’artista, la visione disegnata da Eleonora Prado. Un percorso da scoprire allo Spazio Tadini

DI MICHELA ONGARETTI

Moleskine e viaggi d’artista di Eleonora Prado, a cura di Francesco Tadini e Melina Scalise.

Quando un artista osserva il mondo dotato anche solo di penna e taccuino, è in grado di trasportare lo spettatore dall’altra parte del globo, senza muovere un dito. Io come osservatrice ho viaggiato attraverso i disegni di Eleonora Prado che ha scelto di muoversi in luoghi vicini e lontani accompagnata dai suoi preziosi taccuini, e voi sarete altrettanto fortunati se andrete a vedere la sua mostra “Moleskine e i viaggi d’artista” allestita nella sala grande di Spazio Tadini fino al 18 maggio.

Testi e immagini di Eleonora Prado

Testi e immagini di Eleonora Prado

 

Si possono visionare gli originali sui quaderni di Moleskine, gli stessi che utilizzò il più celebre dei suoi testimonial storici, Bruce Chatwin che considerava una perdita ben maggiore del proprio passaporto.

Alle pareti delle 36 splendide stampe giclée fine art autenticate, tratte dagli “scatti a china” selezionati dalla giovane artista.

Misterioso Vietnam allo Spazio Tadini, ph. Sofia Obracaj

Misterioso Vietnam allo Spazio Tadini, ph. Sofia Obracaj

 

Dai disegni non si è arrivati solo alle stampe, infatti sono presenti in mostra diverse sperimentazioni tecniche nate dallo stimolo della peregrinazione asiatica: dai timbri intagliati da Eleonora Prado a disposizione di tutti, al grande dipinto in bianco e nero raffigurante il groviglio di cavi che caratterizza diverse opere, alle parole che accompagnano sui taccuini i disegni originali.

La produzione spazia da una notte invernale nella città di Brescia, alla visita al Castello di Vezio per poi concentrarsi soprattutto sull’ultimo di due viaggi in Indocina, per la precisione in Vietnam. Un motivo in più per varcare la soglia di Spazio Tadini è l’occasione di osservare da vicino l’utilizzo del nuovissimo Smart Writing Set di Moleskine, l’innovazione che permette per la prima volta di trasferire il disegno su taccuino “in diretta” sul formato digitale, con l’ausilio di un’apposita penna .

La locandina della mostra nello Spazio tadini durante la mostra, ph. Sofia Obracaj

La locandina della mostra nello Spazio tadini durante la mostra, ph. Sofia Obracaj

 

Piccoli e grandi creativi potranno muoversi con un lieve peso come se avessero con sé una tavoletta grafica istantanea. Io l’ho provata il giorno dell’inaugurazione ma potrete farlo anche voi in alcune occasioni durante l’esposizione, con il supporto e l’entusiasmo di Eleonora Prado.

L'artista alle prese con lo Smart Writing Set

L’artista alle prese con lo Smart Writing Set

 

Nella cornice della casa museo Spazio Tadini – un tempo studio di Emilio Tadini – vedo l’esotico nel senso etimologico del termine. Tutto ciò che è fuori dal nostro vicino campo d’indagine. Come ho avuto già modo di osservare nel lavoro di Prado esiste in lei una vocazione alla meraviglia nelle piccole cose: nulla di sensazionale, nulla di spavaldamente scenografico bensì un gusto per la vita quotidiana, che cela lo straordinario nel suo rivelarsi mentre si attraversa uno spazio inconsueto, scoperto come vivido e personale nel momento in cui si manifesta, anzi in cui viene svelato dall’occhio in movimento.

Quattro stampe giclé da Moleskine ei viaggi d'artista, ph. Sofia Obracaj

Quattro stampe giclé da Moleskine ei viaggi d’artista, ph. Sofia Obracaj

 

La viaggiatrice incontra sul suo cammino delle apparizioni, siano essi giungle lussureggianti, volti o insediamenti umani, essi sono come personaggi con una storia densa, e si lascia ai dettagli il potere di raccontarla. Così si indugia su particolari descritti dal tratteggio veloce, e si lasciano scoperte, come non a fuoco, altre zone della stessa visuale: è ciò che colpisce il senso della sosta, tutto il resto fa parte dello stesso attimo ma è accessorio. In alcuni lavori si assiste al processo opposto, come per il ritratto femminile che emerge dal nero dello sfondo tra le lanterne di carta, si assiste alla lavorazione per negare la luce a ciò che sta a margine di un’emozione, donando il bianco ai veri protagonisti.

Un particolare del viaggio in Vietnam, ph Sofia Obracaj

Un particolare del viaggio in Vietnam, ph Sofia Obracaj

Un volto secondo la visione e il tratto di Eleonora Prado, ph Sofia Obracaj

Un volto secondo la visione e il tratto di Eleonora Prado, ph Sofia Obracaj

 

Un artista viaggia anche quando non si allontana dal proprio studio, la mente crea un luogo e lo esplora, lo espande nello spazio e nel tempo della visione, e noi continuiamo quel percorso nella fruizione di un opera, anche quando questa viene fissata sulla tela, o sulla carta. Qui il tragitto è lento nella rielaborazione di un vissuto reale o immaginario, è così sempre e lo è anche quando il viaggio intrapreso è concreto, perché i volti, i paesaggi o i monumenti, l’ingresso ad una città che l’artista incontra, entrano nella memoria visiva e all’istante sono catturati dal vortice emozionale, invischiato nella sua tecnica. Se talvolta un letterato contempla, il pittore o il disegnatore non può fermare in quell’istante ciò che sotto la sua matita o il suo pennello diventa altro da sé.

Visitatori per il vernissage accolti da Socrate dei Metaborg, ph. Sofia Obracaj

Visitatori per il vernissage accolti da Socrate dei Metaborg, ph. Sofia Obracaj

 

Io credo fortemente che oggi l’artista figurativo sia naturalmente e incoscientemente un surrealista, che crea immagini oltre la soglia della percezione comune. Il soggetto può essere rispettato, come fa Eleonora Prado che illustra le tappe dei suoi pellegrinaggi, ma prevale la poesia, prevale il mistero insito nel dato concreto, quella sensazione che ci può fare dubitare si tratti di qualcosa di realmente esistito. Non è mai accaduto nella realtà oggettuale perché è sublimato dalla storia personale e artistica di chi lo presenta i nostri occhi. Come è certo che non ci si bagna mai alla stessa acqua dello stesso fiume, così è sicuro che il medesimo scorcio non potrà esistere mai più come le ombre o i tratti incrociati lo stanno non descrivendo, non analizzando, ma reinventando, come un sogno ad occhi aperti i disegni su Moleskine di Elonora Prado.

Michela Ongaretti