La facciata Nord, ph. Alessandro Belgiojoso

La Casa Cerniera visibile da Google Maps, il progetto di VMCF Atelier

 

La Casa Cerniera visibile da Google Maps, il progetto di VMCF Atelier

VMCF Atelier,  Valerio Maria Ferrari e Cinzia Mazzone, progetta la Casa Cerniera .

Esiste una casa ai margini di un bosco, ma la sua caratteristica principale non è quella di nascondersi nella macchia. Basta avere una connessione ed è facile trovarla su Google Earth, nellefotografie aeree e satellitari. Concepita dalla mente progettuale degli architetti Valerio Maria Ferrari e Cinzia Mazzone di VMCF Atelier può appartenere solo ai nostri giorni per la sua facile e studiata localizzazione, nel suo presentarsi come un landmark della zona, accordandosi con le peculiarità del paesaggio esistente. Hanno collaborato al progetto anche gli architetti Alessandro Cattaneo, Aldo Buscio, Riccardo Roberto, e l’ingegnere Piero Gozzi con Archingenio.

Il tetto della casa Cerniera di VMCF Atelier ph. Francesco Clemente

Il tetto della casa Cerniera di VMCF Atelier ph. Francesco Clemente

Quello che caratterizza maggiormente, e permette la facile individuazione aerea di quest’abitazione a Carpignano Sesia, in provincia di Novara, rispondente alle coordinate di Google Maps 45.530989, 8.427462è logicamente la sua copertura.

In stretta vicinanza con gli alberi, a toccare il cielo sono le sue lamiere ondulate di diversi colori per sottolineare l’andamento e l’alternanza delle risaie e dei lotti coltivati.

La casa si colloca al limite urbano del piccolo paese novarese lambito dall’autostrada A26, e questa condizione è stata considerata un deterrente per insediamenti futuri: per questo si è sviluppata l’idea della casa “cerniera”, che rimarrà così come è a testimoniare anche più avanti la configurazione presente del territorio nel quale è inserita.

La Casa Cerniera per come emerge dalla macchia,ph. Alessandro Belgiojoso

La Casa Cerniera per come emerge dalla macchia,ph. Alessandro Belgiojoso

 

La partenza del progetto, per una casa unifamigliare di 300 metri quadrati, è a sua volta basato sull’interpretazione di strutture tipiche e tradizionali per quel paesaggio come le cascine aperte a corte, forma infatti tre spazi aperti grazie alla costituzione di due corpi trapezoidali di diversa altezza intersecati tra loro. I volumi risultano scomposti e riescono ad integrarsi meglio nel verde, ma è la considerazione del risparmio energetico a rendere una versione davvero contemporanea della cascina. La superficie a Sud è aumentata rispetto al passato grazie a questa scomposizione geometrica, in modo da favorire l’accumulo di energia pulita, quella solare.

Un particolare delle aperture nella Casa cerniera di VMCF Atelier, ph. Alessandro Belgiojoso

Un particolare delle aperture nella Casa cerniera di VMCF Atelier, ph. Alessandro Belgiojoso

Come nelle cascine tradizionali ci sono differenze nell’organizzazione degli spazi in base alle funzioni specifiche, così le parti della Casa Cerniera sono strutturate sulle necessità abitative diurne e notturne.

Quasi tutti i locali sono su un unico livello, tranne un solaio per la zona giorno e un soppalco nella zona notte, a movimentare in altezza le facciate Sud e Nord.

La facciata Nord è caratterizzata da una sottile cortina di canne di bambù nell’accesso al piano superiore, questo permette un contrappunto più morbido al colore grigio dei muri esterni, sui quali si nota un disegno bianco di linee verticali e bordi orizzontali, che continua anche nel corrimano e sulle ringhiere del terrazzo.

La facciata Ovest, ph. Alessandro Belgiojoso

La facciata Ovest, ph. Alessandro Belgiojoso

 

Il tetto amplifica il senso del gioco cromatico nella sua individuazione da lontano: le lamiere rettangolari sui trapezi di base richiamano la visuale aerea degli appezzamenti agricoli e le tipiche coperture di emergenza per pollai e rimesse.

Un motivo grafico visto dall’alto che conferma la vocazione contemporanea di una struttura basata sulla tradizione architettonica, sulla sua valorizzazione con la tecnologia del presente.

La facciata Nord, ph. Alessandro Belgiojoso

La facciata Nord, ph. Alessandro Belgiojoso

Abbiamo già parlato di Valerio Maria Ferrari durante il Fuorisalone 2015 per l’installazione Operafood presso i cortili dell’Università Statale, che presentava il progetto globale, in progress da alcuni anni, Visual Music Facilities Theatre, un teatro di nuova concezione per l’opera e il teatro musicale.

Laureato al Politecnico di Milano, non si è limitato all’architettura ma la sua esperienza ha spesso sconfinato nel territorio delle scenografie teatrali e delle installazioni artistiche. Il suo studio VMCF ATELIER- Virtual Machine Concept Facilities nasce nel 2003 proprio da questa poliedrica vocazione.

Parigi, appartamento progettato da Valerio Maria Ferrari

Parigi, appartamento progettato da Valerio Maria Ferrari

 

E’ da sempre fortemente interessato ai sistemi dell’arte: assistente di Piero Faggioni per la scenografia e la regia d’opere liriche in teatri internazionali come il Teatro alla Scala di Milano, l’Opera Garnier di Parigi, il Covent Garden di Londra, il Metropolitan Opera of New York e ha lavorato con il pittore e architetto Roberto Sebastian Matta tra il 1990 e il 1993. Inoltre ha tenuto seminari di Estetica alla Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano.

Nel giugno del 2011 ottiene la copertina del prestigioso magazine internazionale Interior Design (USA)con un progetto di interior per un appartamento duplex a Parigi.

Un rendering dell'Hotel Jing Li, VMCF Atelier

Un rendering dell’Hotel Jing Li, VMCF Atelier

 

Dal 2011 Ferrari inizia a lavorare per la metropoli cinese di Chongqing, prima direttore del dipartimento internazionale nello studio di architettura Yuandao, dal 2013 partner dello studio Huazhu di Xiangbei Li.

Di quest’ultimo periodo segniamo l’hotel Jing-Li e il Cultural Plaza Nanbin Lu Ertang, un parco di 72000 mq dedicato all’arte e all’educazione.

L’architetto Cinzia Mazzone si è laureata presso il Politecnico di Milano con una tesi interdisciplinare sul concetto della rappresentazione in architettura, a cui collabora il docente di filosofia teoretica all’Università Statale Carlo Sini. Nel 2001 segue un corso presso l’École des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS) di Parig con E.Michaud docente di teoria e ideologia dell’arte, ed inizia ad occuparsi della relazione tra architettura, filosofia e arte. Ha collaborato col prof. Luigi Cocchiarella al corso integrato di Rappresentazione alla Facoltà di Architettura del Politecnico

Nel biennio 2007-200808 coadiuva l’architetto Silvia Dainese ai workshop estivi di progettazione dell’Università IUAV di Venezia. Sempre nel 2007 fonda la rivista d’arte e architettura D’Ici-làcon Valerio Ferrari (ed è un collaboratore dello studio VMCF),Jean-Paul Robert e Brigitte Mestro. Nel 2009-10 collabora ai corsi di disegno del prof. Gabriele Pierluisi presso la Facoltà di Design del Politecnico di Milano.

Marco Beretta-Spiritus

Intrecci Italiani. Un oasi di fotografia, il design di Vittorio Bonacina, gioielleria per il Fuorisalone 2015

Intrecci Italiani.  Un oasi di fotografia, il design di Vittorio Bonacina, gioielleria per il Fuorisalone  2015

Ogni anno capita che nella miriade degli eventi proposti per il Fuorisalone 2015 ci si imbatta casualmente in un posto nuovo: in questi giorni ci è successo di passare da via Melzo , nel distretto Porta Venezia In Design e di entrare nello studio di Marco Beretta adibito a Temporary Showroom, e rimanere piacevolmente colpiti dall’esposizione dal titolo Intrecci Italiani. Un allestimento curato nei dettagli, dove accanto ad alcuni grandi formati di stampe fotografiche possiamo ammirare la selezione di mobili in midollino del designer Renzo Mongiardino della storica azienda Vittorio Bonacina, insieme alle quali sono esposte le creazioni della gioielleria Anthozoa, posizionata nell’adiacente via Malpighi.
Marco Beretta-Spiritus

Marco Beretta-Spiritus

Bonacina è una presenza storica anche al Salone del Mobile, ha partecipato alla fiera per ben sessant’anni consecutivi, ma per il 2015 ha deciso di fare un’esperienza diversa.

Anche lo spazio è in linea con l’atmosfera desiderata da Bonacina: è stato inaugurato con questa mostra ma si tratta di un laboratorio permanente, ricavato dalla ristrutturazione di un ambiente preesistente a cui Beretta ha deciso di lasciare la patina del tempo. Le pareti hanno conservato parti di intonaco e zone libere nelle quali si intravede l’anima in mattoni rossi. L’interno è nell’insieme sorprendentemente luminoso e si respira l’aria della bottega artigiana, anche per la posizione più raccolta rispetto al negozio con vetrinaQuesta collezione in particolare aveva bisogno di un’ambiente più rilassato nel quale le persone potessero soffermarsi e godere di un’atmosfera più intima, a Rho l’approccio sarebbe stato più veloce e superficiale da parte del pubblico.

Dopo il Fuorisalone una zona sarà adibita a libreria vera e propria con vendita di dischi e un’altra accoglierà il marchio Ultracicli di biciclette a scatto fisso dal sapore vintage, sarà anche showroom della boutique di gioielli Anthozoa.

MOd. Margherita- design Albini e Heig per Bonacina

Poltroncina Margherita- design Albini e Heig per Bonacina


L’azienda fu fondata nel 1889 da Giovanni Bonacina
: più di un secolo accompagnato dall’attenzione viva e costante per il design evergreen, con modelli che vivono diverse vite a seconda degli ambienti nei quali sono inseriti, e in base al “make up” che si decide di adottare sulle sue coperture. I pezzi di design qui esposti sono raccolti nella pubblicazione di Marella Agnelli, Ho coltivato il mio giardino, editata da Adelphi, nella quale siamo guidati attraverso gli interni delle ville e dei giardini ideati dall’autrice stessa, “popolati” dalla collezione di Bonacina presente in via Melzo con alcuni pezzi divenuti iconici. Sono mobili disegnati eprodotti tra gli anni trenta e quaranta che fanno quindi parte dell’archivio storico; negli anni settanta Renzo Mongiardino ha rielaborato e attualizzato i modelli. Ricordiamo che altri pezzi iconici sono osservabili nello showroom del gruppo Maramotti in corso Vittorio Emanuele con la curatela allestitiva dell’architetto Pacciani.

L'etichetta metallica sul midollino Vittorio Bonacina

L’etichetta metallica sul midollino Vittorio Bonacina

Possiamo immaginare quante teste creative abbiano condiviso momenti salienti e in quanti progetti siano stati coinvolti i maggiori designer del novecento: Ponti, Albini, Heig, Forges Davanzati, Gregotti, Sambonet, Travasa, solo per fare alcuni nomi. Dagli anni cinquanta la rivoluzione è partita sotto la guida di Vittorio con il design di Franco Albini e Franca Heig: la loro poltrona Margherita fu premiata con la medaglia d’oro alla IX Triennale. Il risultato importante fu solo l’inizio di un investimento nella creatività dei grandi progettisti, e che fu considerato esemplare della storia del design, così far entrare Bonacina come presenza fissa in diversi musei del calibro delMuseo del Design Triennale di Milano, Vitra Design Museum, M.O.M.A. di New York. Museum of Art Philadelphia e The Montreal Museum of Fine Arts.

Ben più moderne le lampade sempre in midollino progettate da Tomoko Mizo che illuminano le creazioni Anthozoa, che a sua volta ricambia illuminando con coralli, e altri preziosi riflessi le due sedute Valentin all’interno del punto vendita in via Malpighi.

Lampada Mod. Orbita- Vittorio Bonacina

Lampada Mod. Orbita- Vittorio Bonacina

 

Abbiamo notato come altri visitatori si siano accorti della speciale aura di questa esposizione, si ha come l’idea generale e istintiva di una omogeneità formale, anche se stiamo guardando manufatti appartenenti a discipline diverse. La risposta di tale sensazione risiede negli intenti comuni delle tre componenti, bene espressa nel titolo della mostra. Gli intrecci italiani con cui Marco Beretta, Bonacina e Annabella Beretta di Anthozoa tessono la propria poetica sono comuni: esprimono la sensibilità al contemporaneo pur nella dimensione del materiale e della sua lavorazione manuale antica, e sono fedeli e coerenti ad una tipologia di prodotto, o di soggetto. Lavorano tutti e tre con procedimenti artigianali e “raccolgono” la base materiale sulla quale si fonda il loro lavoro in estremo oriente.

Marco Beretta presenta la mostra “Spiritus”, nata da viaggi tra Birmania e Laos; come tutte le sue immagini realizzata con una macchina fotografica Hasselblad analogica. I suoi scatti richiedono molta pazienza e cura nell’immortalare da oltre vent’anni figure di monaci buddisti, ricerca il cui risultato è un’immagine che va aldilà delle mode e dell’aspetto estetico per concentrarsi sulle emozioni che suscitano.

MarcoBeretta, Spiritus

MarcoBeretta, Spiritus

Non si effettua postproduzione: anche se le figure appaiono sempre in movimento l’effetto non è costruito, perchè questo movimento rappresenta una parte del significato, come se si vedesse una metamorfosi del corpo in una trasfigurazione verso l’anima in ogni figura ritratta, e che richiama un atteggiamento contemplativo e mistico nell’osservatore .

Beretta si serve di uno stampatore come nel mondo prima del digitale perchè la sua sensibilità lo porta a dare molta attenzione al supporto cartaceo, alla sua resa a seconda della texture scelta.

Allo stesso modo l’attenzione di Vittorio Bonacina e della sua casa di produzione si concentra sul monomaterico, anche se sono aperte le porte ai giovani designer per trovare declinazioni nuove che non utlizzino esclusivamente il midollino.

Vista del Temporary-Showroom di via Melzo 3

Vista del Temporary-Showroom di via Melzo 3

Quello che viene denominato giunco ( o rattan in inglese), proveniente da India, Manau e e Manila contiene un midollo che si estrae per trafilatura per ottenere il midollino in diversi diametri. E’ talvolta erroneamente confuso con il vimini che è un materiale povero, mentre possiamo paragonare il midollino ad un legno pregiato come il noce. La sua lavorazione è esclusivamente artigianale, dalla piegatura con il calore alla sua tessitura. Il suo utilizzo è da considerarsi ecologico perchè ciò che viene tolto non è nemmeno l’1% di quello che la Natura è in grado di riprodurre nel sud-est asiatico dove queste piante crescono selvagge molto rapidamente; non esiste il rischio di deforestazine come può accadere per i legni raffinati.

Parliamo anche di procedimenti eco-friendly, attenzione verso la quale vorremmo sempre spendere due parole per il design meritevole: qui la colorazione la polvere di anilina penetra in maniera atossica nelle fibre grazie al peso dell’acqua.

Anthozoa-anello Long Ching

Anthozoa-anello Long Ching

 

Anche Annabella Beretta utilizza un approccio artigianale nella sua attività, nella sua pluriennale esperienza segue fin dal principio ogni fase di realizzazione del gioiello: la scelta delle gemme e la lavorazione, forgiatura e cesellatura, il design che molto spesso è personalizzato o “tailor made”.

Il nome della boutique Anthozoa deriva dal nome latino della famiglia dei coralli, materia con cui Annabella ha un legame affettivo legato alle origini e che ama molto per la sua valenza simbolica legata aIla Terra, nella sua appartenenza al regno animale, vegetale e minerale insieme.

Nelle sue collezioni il gioiello non ha soltanto valore estetico ma anche simbolico, derivato anche dallo studio delle pietre in India, Tibet e Cina.

Anthozoa, interno della boutique

Anthozoa, interno della boutique

Sono talismani di buona sorte montati in pietra o in nudo metallo hanno recano sempre all’interno una particolarità unica: che sia una scritta, un traforo o altro, indica l’importanza dell’anima interna delle forme, come nel caso delle effigi di monaci per il fotografo o della preziosa elasticità del midollino nei mobili.

Michela Ongaretti

 

 

Valerio Maria Ferrari, render per Visual Music Facilities Theatre

OperaFood di Valerio Maria Ferrari al Fuorisalone2015. Un progetto animato nei chiostri dell’Università Statale

 

OperaFood di Valerio Maria Ferrari al Fuorisalone2015. Un progetto animato nei chiostri dell’Università Statale

DI MICHELA ONGARETTI

Anche quest’anno i chiostri dell’Università Statale saranno uno spettacolo all’insegna del design e dell’innovazione creativa per il Fuorisalone. L’evento ricco di esempi di progetti e installazioni Energy for Creativity, è come sempre organizzato dalla rivista Interni e sarà allestito dal 13 aprile al 24 maggio. Degna di nota OperaFood curata dall’architetto Valerio Maria Ferrari con VMCF Atelier. 
Valerio Maria Ferrari, render per Visual Music Facilities Theatre

Valerio Maria Ferrari, render per Visual Music Facilities Theatre

Si tratta della versione in scala ridotta del suo progetto Visual Music Facilities Theatre (VMFT), che rappresenta un concetto spaziale inedito in cui l’architettura interagisce con filosofia e teatro. “Un progetto di spazio alternativo alla tipologia tradizionale del teatro dell’opera italiano” come indica il suo creatore.

L’opera viene definita una “spirale di Architettura Musica e Cibo”: le tre tematiche confluiranno nelle cinque proiezioni video che i visitatori potranno azionare in modo interattivo sulla creazione. Si potranno visionare alcune messe in scena virtualmente inserite nel concept architettonico di opere liriche nelle quali il cibo e i piaceri della convivialità a tavola, e il vino sono protagonisti. In tutto sono cinque, una tratta dal Don Giovanni di Mozart, una dalla Traviata di Verdi, poi Tosca di Puccini, Cenerentola di Rossini e il Belfagor di Respighi.Nel chiostro ci apparirà un grande contenitore rosso, la cui larghezza è pari a sette metri, che conterrà il modello del VMFT. L’apertura frontale dell’installazione si palesa sotto forma di un occhio o una bocca con il modello inclinato di 30° verso l’osservatore. Main sponsor dell’opera sarà Bioseutica.

Operafood di Valerio Maria Ferrari, vista frontale

Operafood di Valerio Maria Ferrari, vista frontale

Sebbene non parliamo solo di opere italiane, la celebrazione del bel canto e del melodramma in generale sono associati al Bel Paese. In particolare il melodramma è stato un genere a cui l’Italia ha dato grande impulso creativo, e per il quale siamo famosi in tutto il mondo. Inoltre il riferimento alle gioie delle libagioni si riferisce alla tematica del grande evento di Expo2015 ormai imminente, che vorrà essere anche promozione dell’Italia e della sua attitudine e leadership mondiale al gusto.

Il CIBO e IL CANTO sono considerati dal diciottesimo secolo due elementi tipici della cultura italiana, parte importante della nostra filosofia di vita. Si usano termini gastronomici nelle varie scene di feste e banchetti ma il cibo assume sempre un ruolo simbolico, è metafora della vita stessa.

Valerio Maria Ferrari, render per Visual Music Facilities Theatre particolare del palco.

Valerio Maria Ferrari, render per Visual Music Facilities Theatre particolare del palco.

Gioacchino Rossini ci illumina sulla questione quando scrive “Mangiare e amare, cantare e digerire: questi sono in realtà i quattro atti di quest’opera buffa che si chiama vita”, dove aggiunge che la vita è sfuggevole e per questo bisogna goderne. Era il pensiero dell’uomo all’inizio della rivoluzione industriale, ma ancora sopravvive quest’idea di italianità gaudente nella convivialità alimentare.

Sono chiaramente afferenti a diversi contesti narrativi i riferimenti al cibo in queste opere: se sempre per Gioacchino Rossini, di cui i testi poi musicati escono dalla penna di Goldoni, nel pezzo “Mi risveglio a mezzogiorno” il cibo esprime lo status sociale e il benessere dei personaggi, altrove l’alimentazione è legata al concetto di amore e morte , come nel Don Giovanni di Mozart nell’aria “Ah che piatto saporito…”,suo ultimo invito a cena. “Libiam, libiam nei lieti calici” nella Traviata di Verdi è sempre un invito al godimento nella prospettiva di un futuro incerto. Gli altri pezzi sono “ La mia cena fu interrotta” nella Tosca di Puccini e “Cipolle e peperoni sottaceto” per il Belfagor di Respighi.

Operafood di Valerio Maria Ferrari

Operafood di Valerio Maria Ferrari

Il Visual Music Facilities Theatre è frutto dell’intensa ricerca di Valerio Ferrari, un progetto che si presenta come concezione globale dello spazio nel teatro , legato ad una nuova fruizione dello spettacolo, nella sua forma a spirale e nella separazione tra pubblico e scena del tutto innovativo: non esiste più una vera e propria divisione ma la forma della spirale accompagna i due settori come in un percorso, che termina con la parte di palcoscenico vero e proprio. E’ per Ferrari l’architettura stessa a generare nuove forme di spettacolo d’opera attraverso la sua configurazione, certamente alternativo alla musica classica o contemporanea strumentale, dove i suonatori si trovano al centro della scena, mentre qui la mobilità dei cantanti, il loro spostamento da una zona all’altra del teatro, cambia la percezione del suono e il modo in cui viene vissuto tutto lo spettacolo.

Possiamo definire la fruizione dello spettacolo “democratica” perché nella struttura a spirale non ci sono posti privilegiati da cui si possa godere del suono in modo migliore: semplicemente uno spettatore può decidere se trovarsi in balconata oppure “dentro l’azione” della performance in un punto della spirale. Si vivono visuali diverse nei vari punti, sebbene non gerarchiche.Il concept coinvolge persino chi compone la musica, perché da questo tipo di fruizione possono nascere creazioni musicali nuove, tenendo conto delle relazioni integrate tra strumenti, voce e pubblico.

render di VMTF di Valerio Maria Ferrari

render di VMTF di Valerio Maria Ferrari

Come spiega l’architetto nel VMTF il pubblico e i cantanti sono legati in una spirale ascendente, forma che simboleggia la nozione di Tempo, nella quale l’orchestra e il direttore si trovano al centro. La forma geometrica è il punto d’incontro ideale tra l’evolversi dell’opera musicata e la sua permanenza nello spazio; il suo ascolto sarà esperienza unica in ogni occasione diversa perchè dipenderà dalla distanza variabile dei cantanti rispetto al pubblico. Se la percezione sarà differente a seconda del posto, quello che per tutti sarà assicurato in ugual misura è l’acustica, ideale e identica per ogni seduta.

Per potenziare l’effetto coinvolgente dello spettacolo è prevista una scenografia di luci e immagini led. Il VMTF è adattabile a concerti rock o pop, conferenze o sfilate e alle loro riprese video, mediante un sistema brevettato molto semplice per trasformazioni di configurazione necessarie. Questo teatro d’avanguardia misura 60 metri di diametro in scala reale, e prevede ben 1400 posti: 800 sulla balconata e 600 nella spirale. Le nuove tecnologie sono onnipresenti: pavimento e muri sono rivestiti di led con proiettori 2D o 3D. Altre scenografie sono potenzialmente costituibili con proiettori, droni e telecamere ad infrarossi.

Fattore fondante e d’ispirazione quindi le nuove tecnologie segnalate nelle pubblicazioni sul progetto. Nel libro“Site and Sound” di Victoria Newhouse, pubblicato negli Stati Uniti da Monicelli, si definisce il progetto “teatro del futuro”, replicabile in diversi luoghi, mentre sulla rivista svizzera Dissonance, il giornalista David Verdier sottolinea la portata della sua innovazione in termini di acustica.

Michela Ongaretti

 

Libreria Greco ( Rocci 1936) , collezione Fz, design Francesco Rosi per Città Castello

Città Castello. Umbria artigiana e tecnologica al Fuorisalone2015

Città Castello. Umbria artigiana e tecnologica al Fuorisalone2015 via Tortona, Opificio 31

Una delle zone più ricche di eventi Fuorisalone, via Tortona o Tortona District, ospiterà anche Ambiente Umbria con l’evento Città Castello – Designed to be Authentic e la sua collezione Fz del brand Città Castello disegnata dall’architetto Francesco Rosi, presso Loftino/ Opificio 31 di via Tortona. Verranno coinvolti nel progetto altri creativi nella realizzazione di wallpaper, e gli studenti dell’Accademia di Belle Arti “Pietro Vannucci” di Perugia.

 

Sedie Sedule, collezione Fz, design Francesco Rsi per Città Castello

Sedie Sedule, collezione Fz, design Francesco Rsi per Città Castello

 

Ambiente Umbria non è un’azienda ma molto di più: è una rete di imprese artigiane fondata da Umbria Export, l’agenzia per l’internazionalizzazione del sistema produttivo della regione, al fine di far cooperare le diverse professionalità dell’Alta Valle del Tevere afferenti al settore del design e della produzione di mobili.

Primo passo progettuale è stata la creazione del brand Città Castello, nome scelto in omaggio alla città d’arte Città di Castello, che si trova ad essere il centro urbano più conosciuto dell’Alta Valle del Tevere, e per indicare il forte legame della rete con il territorio. Forse non tutti sanno che l’area è tra le prime in Italia per la produzione di mobili in stile, nella quale operano in gran numero imprese artigiane dedicate a rendere i prodotti sempre più competitivi in termini di qualità estetica e funzionale.Tutto questo è stato possibile grazie al progetto per lo sviluppo locale Alta Umbria, supportato dalle Casse di Risparmio dell’Umbria, Camera di Commercio di Perugia e Sviluppumbria, tramite il progetto i-Start. E’ patrocinata da Confindustria Umbria, Confartigianato e Confcommercio Perugia.

Tavolo Tabula, Città Castello, design Francesco Rosi

Tavolo Tabula, Città Castello, design Francesco Rosi

 

 

Si tratta quindi della valorizzazione di un territorio già ricco di talenti, che viene ulteriormente stimolato attraverso iniziative e progetti per ricerca e innovazione. La vocazione artistica e artigianale pare essere nel dna umbro data la provenienza di artisti come Piero della Francesca e nel ventesimo secolo Alberto Burri, personalità che hanno lasciato la propria impronta artistica nel tempo e nello spazio: qui e nel mondo, al tempo in cui sono vissuti e nella memoria di chi si ispira alla loro ricerca. Non dimentichiamo l’eccellenza “industriale” ante-litteram fin da molti secoli attiva: parliamo dell’artigianalità legata allo sviluppo della produzione della carta e della stampa, all’agrimeccanica, alla lavorazione del tabacco e quella del legno.

Se tradizionalmente in Umbria si lavora il legno, la collezione Fz non si ferma alla mera produzione artigianale, ma coniuga alla sapienza degli antenati lo sviluppo e l’innovazione tecnologica che rende i mobili funzionali e confortevoli.

particolare del set bagno Levando, collezione Fz, design di francesco Rosi per Città Castello

particolare del set bagno Levando, collezione Fz, design di francesco Rosi per Città Castello

 

 

La linea è progettata dall’architetto Francesco Rosi che regala alle forme lignee una vena ironica: a volte c’è un richiamo scherzoso a oggetti- simbolo dell’infanzia, a volte la citazione si fa più dotta recuperando elementi decorativi dalla tradizione artistica e territoriale, altrove si gioca con forme antropomorfe. Inoltre Rosi sottolinea nell’uso dei materiali il gioco di rimandi tra tradizione e innovazione, mediante la mescolanza di legni “antichi” e lavorazioni dallo stile contemporaneo.

Usare il legno significa poi rispettare l’ambiente, non tanto per l’utilizzo di una sua risorsa quanto nella possibilità di un uso eterno di questi resistenti mobili, evitando lo spreco e rendendo non necessario un riciclo di eventuali scarti. Se uniamo al senso di calore e protezione che il legno dà, probabilmente perché viene associato a qualcosa che è sempre esistito nella nostra cultura, la ricerca raffinata e semplice del design , e la tecnologia che lavora per amplificare la funzionalità dei pezzi, abbiamo ben compreso la finalità del progetto di Francesco Rosi per Fz.

Nel dettaglio: Sedule è una serie di sedute tipico esempio dell’integrazione tra artigianato e nuove tecnologie: si usano essenze nobili, legno di carpine e noce, mentre gli schienali sono realizzati grazie alla stampa 3D e si ispirano alle grottescherinascimentali ben visibili nel patrimonio umbro, non le ricalcano ma piuttosto giocano combinando i loro disegni.

Schienale di Sedule collezione Fz Città Castello, design Francesco Rosi

Schienale di Sedule collezione Fz Città Castello, design Francesco Rosi

 

 

Tabula: definito tavolo-architettura circolare, nato per la convivialità antica unendo la funzionalità del design odierno. I legni usati sono quelli del mobile artigianale della zona come il noce, castagno, frassino, faggio, olmo . I piani d’appoggio sono invece in cristallo , multistrato di betulla e noce- carpine.

Libreria Greco ( Rocci 1936) , collezione Fz, design Francesco Rosi per Città Castello

Libreria Greco ( Rocci 1936) , collezione Fz, design Francesco Rosi per Città Castello

Libreria Greco (Rocci 1936): qui il recupero della tradizione si attua nell’utilizzo dellastruttura classica delle boiserie a parete delle dimore nobili, con una logica rilettura moderna nel suo insieme, ma sempre utilizzando elementi storici. Un collage moderno di idee lontane nel tempo, e nella memoria della giovinezza. La finitura si compone infatti di un découpage di carta applicato artigianalmente e recuperato da una copia autentica del Dizionario di Greco, a cura di Lorenzo Rocci, editato dalla Dante Alighieri di Città di Castello nel 1936..se potesse parlare avrebbe molto da raccontare sulla formazione umana, culturale, sentimentale di molti giovani..al momento può essere presente nella quotidianità del nostro salotto, per racchiudere altri libri e mostrarsi alle nuove generazioni, dando una nuova veste alla libreria Greco.

Santone è figlio del nostro tempo, si tratta di una docking station per smartphone e tablet, dalla quale si possono ricaricare i dispositivi, ed è collegata a degli amplificatori. Esprime una forte carica di gioia per la tecnologia su diversi piani, ad esempio le luci incorporate sono controllate da sensori ad infrarossi che comandano diverse configurazioni, interagendo con il suono circostante. Non solo allegria ma anche gioco e ironia ( e auto-ironia) nelle sembianze antropomorfe date dalla forma e posizione delle casse. Pare vedere l’uomo tecnologico entusiasta ma un pò buffo, dall’animo puro e infantile, aperto a nuove esperienze, qui accolte nel cuore del suo funzionamento grazie alla piattaforma open source Arduino, e alle sue finiture provenienti dalla stampa 3D.

 

Santone docking station, CollezioneFz di Città Castello, design Francesco Rosi

Santone docking station, CollezioneFz di Città Castello, design Francesco Rosi

 

Levando è un set bagno ergonomico e pratico per il singolo, caratterizzato da inedite composizioni polimateriche: basamento in rovere e noce con raffinata lavorazione che sostiene il lavabo in ceramica artigianale.Comodo: un mobile contenitore con cassetto apribile su tre lati con luce notturna, abat-jour ed è cablato per la ricarica di smartphone, tablet, notebook con un microprocessore a controllarne i comandi. Anche questo arredo, così flessibile nella possibilità di utilizzo date le molte funzioni, si presenta come un gioco d’infanzia per i “grandi”, ma non troppo.

Bombi, wall paper di Giovanni Bettacchioli per Città Castello

Bombi, wall paper di Giovanni Bettacchioli per Città Castello

Lectoro: è un letto multifunzione, nella spalliera sono integrate luci e lampade flessibili LED, mentre nelle superfici laterali si trovano spazi di ricarica per ogni dispositivo. Sempre Arduino dal suo interno può generare effetti di luce.

Armario / Set si presenta come unarmadio solido in materiali pregiati. Da fuori notiamo la finitura a foglia d’oro e noce fiammato sulla struttura in listellare nobilitato di noce e faggio, e lo specchio sulle ante scorrevoli con specchio; mentre all’interno cassettiera e illuminazione rendono onore alla praticità razionale.

Lavabile: è un lavabo in terra refrattaria smaltata, free stand, cioè che può essere spostato e collocato ovunque. Il basamento è in travertino e la parte lignea a mosaico di listelli noce e rovere.

In via Tortona vedremo anche gli wallpaper e i progetti dell’Accademia di Belle Arti, i primi su disegno di Giovanni Bettacchioli, illustratore, dell’architetto Besmira Braho, Fabio Mariacci, graphic designer e artista e dell’architetto e designer Achille Sberna. A questi lavori si aggiungono i progetti di ricerca e progettazione degli studenti dell’Accademia “Pietro Vannucci” di Perugia del corso di Design3. Sotto la guida del docente Marco Tortoioli Ricci i ragazzi hanno esplorato il rapporto tra identità territoriale e design.

Città Castello – Designed to be Authentic- Loftino/ Opificio 31 di via Tortona

Michela Ongaretti

Un particolare di Abimis Ego presso Turri 1870

Abimis al Fuorisalone 2015. Le cucine progettate intorno a chi cucina

Abimis al Fuorisalone 2015. Le cucine progettate intorno a chi cucina

Tra i protagonisti della Milano Design Week 2015 anche le cucine Abimis, marchio italiano che sarà ospite dello show-room Turri 1870 in Viale Piave 35 nell’elegante distretto del design di Porta Venezia in Design Da martedì 14 al 18 Aprile vedremo i neonati modelli Abimis Ego e Atelier, ma non solo. Per l’occasione, e nell’imminenza di Expo2015, la location di viale Piave si trasformerà per accogliere un concept che riunisce evento ed installazione.

 

il progetto Abimis- intorna alla cucina e ai suoi gesti

il progetto Abimis- intorno alla cucina e ai suoi gesti

 

 

La tematica sarà la Terra intesa come pianeta e come elemento, omaggio alla biodiversità celebrata da Expo e al mito dell’origine vitale.

Tutto si sviluppa intorno alla funzione primaria della cucina: l’atto del cucinareAbimis nasce dall’esperienza di Prisma, azienda che da trent’anni progetta cucine professionali per grandi alberghi. ristoranti, navi da crociera e mense aziendali. Questi strumenti “del mestiere” coniugano funzionalità e design e seguono alti standard di igiene, ergonomia e manutenzione.

Da questa esperienza è nata Abimis, progetto per cucine private dove resta primaria mission facilitare con degli strumenti funzionali, precisi ed ergonomici chi usa la cucina con passione e creatività. Alla lunga esperienza di Prisma si aggiunge il design minimalista dell’architetto Alberto Torsello e Treviso Tecnologia con la sua innovazione.

Abimis_Ego-design Alberto Torsello

Abimis Ego, design Alberto Torsello

 

Quest’ultima azienda è stata creata su iniziativa della camera di commercio di Treviso, per promuovere lo sviluppo tecnologico, segnale importante di una sensibilità istituzionale verso il settore, che dimostra la qualità, se non la quantità degli stimoli verso l’imprenditoria creativa del nostro paese. La sinergia di Treviso Tecnologia con gli altri soggetti ha garantito il necessario contributo scientifico dei meccanismi a monte della progettazione dello spazio dedicato.

Si tenta quindi di portare l’efficienza e la funzionalità della cucina professionale nell’ambiente domestico: lo spazio è costruito attorno alle azioni che si compiono al suo interno; la figura di chi cucina è paragonata ad uno chef che sia libero e in grado di seguire dei movimenti logici nel suo creare; il design di Torsello disegna l’acciaio inox senza fughe con un alto livello di resistenza agli urti, e dove sono resi più agevoli i principali cinque gesti del cuoco: conservare, preparare, cuocere, impiattare, lavare.

Abimis_Ego-design Alberto Torsello presso Turri 1870

Abimis Ego, design Alberto Torsello presso Turri 1870

 

 

Aggiungiamo la precisione di alcuni dettagli che rendono più funzionale l’insieme. Sono nel progetto anche le cerniere dei mobili nascoste e saldate, studiate per durare a lungo e non avere bisogno di manutenzione; facilita l’utilizzatore anche la cura per il posizionamento dei diversi elementi come lo zoccolo rientrante di 20 cm per permettere di avvicinarsi al piano di lavoro, quest’ultimo con sistema “stop ove floating” che consente di contenere i liquidi su di esso raccolti. I vani interni sono stagni e con una profondità di 75 cm, superiore quindi alla media.Il cruscotto di comando dei fuochi è invece inclinato , per aumentare la visibilità e le manopole sagomate ed ergonomiche, come tutto il resto che sporge sono arrotondate. Dal punto di vista estetico la finitura “orbitata” dell’acciaio lo rende più morbido e caldo nel colore, oltre a ridurre la visibilità di eventuali graffi, mentre in termini di igiene la qualità è alta grazie alla saldatura di tutte le superfici interne ed esterne. Ogni accessorio fa inoltre riferimento al sistema “Gastronorm” che prevede misure standard per far sì che ogni utensile passi in ogni apertura di ogni zona, dal lavello al forno.

Un particolare di Abimis Ego presso Turri 1870

Un particolare di Abimis Ego presso Turri 1870

 

 

Presso Turri 1870 potremo osservare le due linee Ego e Atelier, sempre regolate sui movimenti del gourmet appassionato e in equilibrio tra design, estetica e tecnologia. Entrambe hanno un “cuore” in acciaio ma tipologie costruttive differenti.

Ego è prodotta interamente in acciaio con l’anta raggiata a filo battente completamente integrata nella struttura attraverso una cerniera cardine, d’inedita concezione invisibile e che non necessita di regolazione, brevetto Abimis. Qui viene presentata nella sua finitura laccata nero opaco, con i suoi tre fuochi e altri accessori inseriti nelle forme generose, ad esempio il piano riportato è di oltre due metri.

Atelier presenta ante di forma squadrata in finiture e materiali diversi, legni naturali o verniciati, pietre e il Corion. Disponibile anche nella versione con ante in acciaio lucido o verniciato.

Abimis_Ego-design Alberto Torsello

Abimis Ego-design Alberto Torsello

I materiali costitutivi e la sofisticata tecnologia industriale rendono potenzialmente eterne queste cucine: l’acciao AISI 304 è un metallo biologicamente neutro che resiste alla corrosione e a temperature fino a 500°C, si pulisce facilmente. Ultima caratteristica, per noi una delle prime in ordine d’importanza, la sua riciclabilità al 100%: in questo caso la sua durevolezza lo rende un prodotto che non genera scarti nell’ambiente nel breve periodo, ma permette comunque una sua reintegrazione quale altro materiale da costruzione per nuovi oggetti nel lungo. Altra caratteristica valida nell’ottica ecologista per Abimis è la possibilità di montare una pattumiera refrigerata a 6°C, permettendo la raccolta dell’umido ma riducendo la proliferazione dei batteri.

Possiamo definire questi prodotti “sartoriali” perchè sono costruiti solo su disegno: tutto è adattato alle necessità personali, finiture e tipologie di vano differenti, scelta dello spessore dell’acciaio delle ante, la definizione e dimensione dei piani di lavoro, e rifinite con cura artigianale. Ogni progetto risulta quindi unico nella sua personalizzazione, per questo motivo ogni cucina Abimis è numerata.

Sempre in viale Piave, intorno a Ego e Atelier ci sono parti di cucine Abimis, smembrati in diversi pezzi a rappresentare le diverse fasi di lavorazione che trasformano una semplice lastra di metallo in un organismo complesso e funzionante, queste componenti esaltano quelle fasi di lavoro del cuoco secondo Abimis: conservare, preparare, cuocere, impiattare e lavare.

Assisteremo anche all’installazione/allestimento in omaggio alla madre Terra nutrice e protettrice, intesa sia come pianeta che come elemento, di cui oggi dobbiamo saper prenderci cura.

PS 2014-01-28 Abimis_Ego-design Alberto Torsello

Abimis Ego, design Alberto Torsello, particolae dell’acciaio

 

Tutto lo showroom si vestirà di suggestioni materiche, per rendere l’atmosfera avvolgente e calda, caratterizzata da ideali zolle che si inseguono sulla carta da parati ecologiche e d’autore di Wallpepper, accostate a colonne di piatti in porcellana Tognana, e alle sculture lignee di Luca Mommarelli, elementi legati al filo rosso del cibo con i sui rituali, e della sua materia originaria.

Lo spazio ci racconta una storia secondo il concept della stylist Patrizia Toffolo, ancora più sensoriale grazie ai profumi esotici e agli aromi del caffè preparato con la macchina professionale Gemini CS2000 di Nespresso,partner di quello che si preannuncia come un evento coinvolgente il senso estetico, il gusto, il piacere olfattivo e la funzionalità di prodotti che innalzano la qualità della vita, anche attraverso la buona cucina che identifica l’essenza italiana.

TURRI 1870 SHOWROOM Viale Piave, 35, 20129 Milano

Michela Ongaretti

misoka nell'installazione Water Fountain, particolare. Fuorisalone2015

Fuorisalone 2015 nanotecnologico con lo spazzolino Misoka di Kosho Ueshima per Yumeshokunin

Fuorisalone 2015 nanotecnologico con lo spazzolino Misoka di Kosho Ueshima per Yumeshokunin

 Fuorisalone 2015 con Misoka di Kosho Ueshima per Yumeshokunin

Il design può cambiare la vita di ogni giorno, può modificare le nostre abitudini invitandoci ad un uso più responsabile delle risorse, in modo da preservare l’ambiente per il futuro. La Milano Design Week 2015 con il suo Fuorisalone mostra anche progetti con questa mission, piccoli oggetti per grandi cambiamenti come un semplice spazzolino da denti: in via Tortona31 a Officina 2 – Opificio 31.  Parliamo di Misoka, progettato dal giapponese Kosho Ueshima con The Industrial Design Studio ( studio TIDS), che prevede il suo utilizzo solo con acqua, senza dentifricio.

 

Misoka spazzolino nanotecnologico (1)Misoka spazzolino da denti nanotecnologico

 

 

A volere questo progetto l’azienda Yumeshokunin Co. LTD di Osaka che si dedica alla nanotecnologia per lo sviluppo dei suoi prodotti, elaborati grazie anche al grande contributo dell’artigianalità, che mostrerà l’oggetto al Fuorisalone di  via Tortona presso la location Officina 2 – Opificio 31.

spazzolino Misoka-design Kosho Ueshima per Yumeshokunin (1)Misoka -design Kosho Ueshima per Yumeshokunin

Lo spazzolino era già presente sul mercato giapponese, con un modello di prima generazione, e venduto in due milioni di pezzi. Ad Aprile 2015 Milano vedrà la nuova versione completamente ridisegnata da Kosho Ueshima. Elemento naturale d’ispirazione, suo motore d’azione, efluido per antonomasia, Misoka riprende dall’acqua la forma sinuosa e senza spigoli o rigidità. E’ costituito della stessa materia di cui sono fatte le bottiglie per l’acqua, Polietilene tereftalato o Pet.

spazzolino nanotecnologico Misoka-design Kosho Ueshima per Yumeshokunin (1)Come usare Misoka -design Kosho Ueshima per Yumeshokunin

La sua esposizione avverrà in abbinamento al lavoro dei famosi designer Setsu e Shinobu Ito, all’interno della suggestiva installazione Water Fountain.

Il posizionamento di Misoka nella fontana è un’esaltazione reciproca della grazia e dell’eleganza delle due creazioni, e potenzia il gioco sul tema dell’acqua, con l’ispirazione e la pace del giardino Zen, come lo sono la fontana Izumi e la seduta in pietra Konoha degli Ito, ma in uno scenario acquatico.

misoka nell'installazione Water Fountain, particolare. Fuorisalone2015

L’installazione Water Fountain con gli spazzolini Misoka, particolare. Fuorisalone 2015

 

 

Grazie alla collaborazione tra i tre designer si crea una rappresentazione in senso teatrale e simbolico dell’elemento naturale necessario alla vita, senza il quale non esisterebbe nessuno di questi pezzi di design.

Inoltre Setsu & Shinobu Ito presenteranno il portaspazzolino Eda, realizzato appositamente per Misoka, prodotto in fusione d’alluminio da Fonderia Artistica Campagner. Partner dell’evento sarà Grassi Pietre per cui lo Studio Ito ha disegnato la fontana Izumi e Konoha. Marchio nato per lavorazione della Pietra di Vicenza nel 1880, Grassi Pietre realizza progetti con materiale proveniente dalla cave di sua proprietà, unendo a macchinari e tecnologia innovativi il talento artigiano, intento comune a Yumeshokunin
.

Portaspazzolino EDA design Setsu e Shinobu Ito per Fonderia Artistica Campagner (1)

Fuorisalone 2015 – Portaspazzolino EDA design Setsu e Shinobu Ito per Fonderia Artistica Campagner

La nanotecnologia riguarda tutto ciò che per dimensioni, o dimensioni dei suoi elementi, è caratterizzato dal miliardesimo di metro. Nel caso di Misoka ci riferiamo alle setole integralmente rivestite da ioni minerali nanometrici. Nell’azione dello spazzolare questi ioni si muovono e, grazie alla loro azione meccanica sui denti, li rendono puliti e lucidi tutto il giorno, inoltre contribuiscono a togliere dalla loro superficie le macchie. Una seconda particolarità di queste setole, che le differenzia da quelle tradizionali, è il loro assottigliamento sulle punte, che permette un massaggio più profondo delle zone interdentali. Un trattamento che si rivela molto più efficace di quello con dentifricio e spazzolino in materiale plastico, come una seduta di pulizia dei denti dal dentista.

L’efficacia degli ioni dura un mese, infatti Misoka in giapponese significa “ultimo giorno del mese”, ricorda quindi il momento in cui..deve essere sostituito! Il nome deriva anche dalla parola Misogi che significa “purificare corpo e spirito con acqua pura”. Energia totalmente naturale al servizio dell’igiene: per Ueshima nasce un nuovo modo di spazzolare i denti , un gesto che utilizza la sinergia di minerali e acqua.

Kosho Ueshima , studi per Misoka (1)

Kosho Ueshima , studi per Misoka

Kosho Ueshima nasce a Fukui nel 1979, si laurea alla Tama Art University nel 2003 e partecipa avari progetti di industrial design sia in product design (German Design Agency, Yellow Design Gmbh) che in ambito elettronico (Panasonic). Ha vinto diversi premi di design internazionali come il Red Dot DesignAward e The Design Award della Federal Republic of Germany.

Nel 2015 fonda a Tokyo e Taiwan TIDS, The Industrial Design Studio. Il suo motto è “la mia unicità è non avere unicità”, che significa non lasciare segno della propria personalità ma dare “forma alla tecnologia” per trasformarla in pezzo di design, oppure imprimere sempre quella forma alla filosofia che muove un’azienda: in questo caso la nanotecnologia di Yumeshokunin si è ricomposta in Misoka per diventare spazzolino.

Nel design particolare punto di forza di Kosho è l’osservazione degli elementi meno visibili del progetto per dare loro rilevanza, e fare sì che anche i meccanismi più complicati abbiano una forma affascinante. Quest’ultima è perfettamente funzionante oltre che bella e ogni suo dettaglio rivela la sua funzione finale.

Kosho Ueshima

Kosho Ueshima

Il giapponese è stato project manager per lo studio tedesco Yellow Design dal 2011 al 2014, per cui ha sviluppato il progetto Emura2 per Daikin). In Italia ha lavorato con Panasonic: per quest’azienda ha sviluppato il progetto sempre di un condizionatore, per il nostro mercato italiano, fianco a fianco di Setsu e Shinobu Ito.

Dal punto di vista scientifico noi siamo fatti soprattutto d’acqua, ma da quello morale il bisogno di sognare ci rende esseri umani, per questo Yumeshokunin, fondata ad Osaka nel 2007 e che in giapponese significa “artigiano dei sogni”, regala con l’idea di Kosho Ueshima la tecnologia unita alla sapienza artigianale, legata al passato (e alla valorizzazione del made in Japan), insieme agli affetti per “trasmettere sentimento nel mondo”, secondo la vision dell’azienda. L’intento è migliorare quindi la qualità del nostro quotidiano con prodotti che siano il risultato dell’energia umana e non solo di procedimenti meccanici.

Location: via Tortona – Officina 2 – Opificio 31

Michela Ongaretti

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Mungo: silicone ed ecodesign per l’arte di Luca Moretto, al Fuorisalone2015

Mungo: silicone ed ecodesign per l’arte di Luca Moretto, al Fuorisalone2015

MUNGO Italia al Fuorisalone 2015 con Luca Moretto . Manca sempre meno agli eventi di design del Fuorisalone 2015 di Milano e tra i protagonisti dell’eccellenza italiana non ci sono solo arredatori, ma anche aziende leader nella produzione innovativa delle materie prime, che servono per la realizzazione dei progetti di design, e sono fondamentali e insostituibili nello sviluppo della ricerca artistica. Parliamo di Mungo Italia, azienda che ha fornito i siliconi per la realizzazione delle opere dell’artista Luca Moretto, in mostra durante la Design Week e nel primo mese di Expo 2015 presso lo Spazio Tadini di via Jommelli 24. I prodotti Mungo, applicati alle opere dell’artista si potranno vedere anche allo spazio Seventy di via Pontaccio e al negozio Seventy di via Manzoni.

mostre Luca Moretto

Se Mungo Italia finora aveva nell’Arte il ruolo della messa in sicurezza, fissava i capolavori contemporanei, oggi è accolta da Moretto per entrare a pieno titolo nella realizzazione dell’opera, che si sviluppa in osmosi e rigenerazione dei ruoli: il mondo concreto entra nel mondo delle idee, e viceversa.

La filosofia di Mungo si lega indissolubilmente ai valori espressi dalle opere, che Moretto crea operando sui pezzi di ecodesign dell’azienda di produzione Staygreen, in cartone a doppia onda. L’idea di questo lavoro necessitava di siliconi con particolari colorazioni, che rispondessero al concept ecosostenibile nel suo insieme.

L’ad Mauro Leoni di Mungo ha risposto positivamente ed in maniera entusiastica alla ricerca di Moretto, dimostrando ancora una volta come l’Arte e il mondo produttivo non vivano su pianeti diversi, ma possano di concerto costruire un universo con la creatività e la tecnologia a reciproco sostegno. Si propone quindi l’utilizzo della nuova linea di polimeri ecosostenibili mappati LEED, tra i quali una gamma completa di siliconi con tutte le colorazioni possibili e immaginabili, impiegabili anche come pittura.

Expo si sta sviluppando sul ragionamento di una possibile economia dei consumi, e del cibo, nel rispetto e compatibilità con l’Ambiente, e Mungo è presente nel catalogo SI Expo (Sostenibilità e Innovazione) sugli edifici che racchiudono realmente e metaforicamente i sei mesi caldissimi per la Milano del 2015, allo stesso modo Mungo è orgogliosa di promuovere, e portare avanti nella ricerca, il proprio contributo all’ecosostenibilità del pianeta.

SONY DSC

Luca Moretto – Sintesi (silicone Mungo su tavola, 2013)

Moretto lavora il silicone in maniera spregiudicata: una sostanza industriale come se fosse marmo, come se fosse qualcosa che nonostante la veste estremamente contemporanea, sia inserita in una dimensione universale, in un tempo dilatato e in tal senso funziona la collaborazione con Mungo: un prodotto studiato per la durevolezza senza impatto negativo sull’ambiente, che resiste ai cambiamenti come l’idea artistica resiste alle mode. Il fatto che questi siliconi siano per l’artista colorati in modo esuberante è invece un’inno alla tecnologia felice e “umana”( o umanistica, che pone al centro l’uomo)simbolo dell’arte che vince sulle difficoltà dellavita, anzi è antidoto e oasi di bellezza, della possibilità di un’esistenza armonica tra le sue diverse componenti, le sue diverse funzioni.

JW Marriot Marquis Hotel Dubai costruito con materiali Mungo

JW Marriot Marquis Hotel Dubai costruito con materiali JW Marriot Marquis Hotel Dubai costruito con materiali Mungo

L’azienda svizzera multinazionale è leader nella progettazione, sviluppo e produzione di tecnologie e prodotti per il fissaggio, sigillatura e isolamento termo-acustico, ed è presente in oltre 50 paesi nel mondo.

La tecnologia nel fissaggio è la linea guida da più di quarant’anni, con l‘obiettivo di progettare e sviluppare costantemente nuovi prodotti per le utenze professionali più evolute, che siano aderenti alle normative europee crescenti dedicate al settore. L’ottobre del 2003 vede la nascita di Mungo Italia, con la sua “rivoluzione arancione”, dal colore del logo. Si impegna nel produrre prodotti di fissaggio di alta qualità, ma anche soluzioni applicative d’avanguardia. Per merito dello staff manageriale di pluriennale rilevanza, dell’innovatività del progetto, e della partnership con i migliori rivenditori professionali, con cui crea di volta in volta nuove strategie di business, la sezione italiana diventa la punta di diamante dell’azienda.

Skolkovo Moscow School Management Adjaye Associates Alucobond ACM, Mosca-Russia costruita con materiali MungoSkolkovo Moscow School Management Adjaye Associates Alucobond ACM, Mosca-Russia costruita con materiali Mungo

La comunicazione interessa non soltanto ciò che di nuovo esce sul mercato; è mirata al cliente anche nel tentativo di coinvolgerlo nelle situazioni in cui Mungo partecipa legate al gusto, all’arte e alla sua gioia di vivere, come nel caso di Moretto.Mungo in tedesco significa Mangusta e proprio come questo animale l’azienda saadattarsi al cambiamento in tutta velocità, donando energia positiva. Il coraggio di portare avanti un miglioramento continuo e la passione sono tra le sue core values, unite ad una fiducia nell’ intelligenza umana (tra cui quella creativa) e nel suo progresso, rara di questi tempi.

LEED®, Leadership in Energy and Environmetal Design, è un sistema di certificazione degli edifici che viene applicato in oltre 140 Paesi nel mondo. Afferma Mauro Leoni: “Sicuramente il progetto LEED rappresenta uno dei progetti più innovativi in assoluto di Mungo e lo si vede dal fatto che, dal 2012, ci siamo impegnati come centro di competenza LEED a promuovere questo protocollo nel comparto delle costruzioni e nella filiera del serramento”.

New production machine and production process at Exchem on 14/11/05

Bombolette LEED Mungo utilizzate da Luca Moretto

Oltre a presentare una gamma di prodotti mappati LEED, Mungo diventa così un riferimento per i requisiti di sostenibilità ambientale e qualità di nuovi materiali e componenti, che interessa progettisti come architetti o designer.

Accompagnerà con quel coraggio citato le innovazioni nell’ambito dell’edilizia, la cui sfida sempre più pressante è il risparmio energetico: l’ecosostenibilità non è data solamente dal riciclo o dall’utilizzo di sostanze naturali, comunque alla base dei siliconi, ma può nascere dalla capacità di isolamento nell’architettura. La sigillatura di infissi per porte e finestre rappresenta la possibilità di minimizzare l’impatto del riscaldamento. Mantenere un ambiente isolato è una missione nuova e attuabile attraverso lo sviluppo delle recenti tecnologie di Mungo.

Color Drops-Mini Rosso Scuro di Luca Moretto (silicone su cartone 2014)

Color-Drops-Mini-Rosso-Scuro-di-Luca-Moretto-silicone-su-cartone

In questo modo l’Architettura ha nuove possibilità realizzative per strutture esterne con la nuova generazione di fissativi: lo sviluppo di materiali nuovi stimola creatività nuove, la natura artistica e quella scientifica e razionale dell’uomo si incontrano ancora una volta.

Michela Ongaretti

 

Isola, cucina. design Setsu e Shinobi Ito per Abitare il Tempo a Verona nel 2014

Setsu e Shinobu Ito . Design interattivo e zen per il Salone del Mobile 2015

Setsu e Shinobu Ito . Design interattivo e zen per il Salone del Mobile 2015

Fuorisalone 2015 e Salone del Mobile

Setsu & Shinobu Ito sono una coppia famosa nel mondo del design contemporaneo, e dal 1997 hanno scelto Milano per vivere e lavorare, continuando con il loro studio come consulenti per importanti aziende e brand internazionali tra cui Riva1920, Gruppo Euromobil, Guzzini, Lavazza, Canon, Panasonic (Japan), Sony Music Group, Nava, Richard Ginori. Il design di Setsu & Shinobu Ito sarà presente sia al Salone del Mobile 2015 che al Fuorisalone con numerosi pezzi in anteprima per Fonderia Artistica Campagner, gruppo Euromobil con l’azienda Desirée, Aisin, Slow Wood, Ianiro, Tumar, Grassi Pietre.

Sofa per Grassi Pietre ed allestimento, Marmomacc 2011

Sofa per Grassi Pietre ed allestimento, Marmomacc 2011

 

Dal 1995, anno di fondazione dello studio, hanno progettato in svariati ambiti: dall’architettura al design di interni, design di prodotto, industriale e del packaging, amando applicare ai valori creativi quelli interattivi, oggi più che mai attuali, soprattutto legati alla mobilità. I loro lavori sono stati premiati con vari premi internazionali come The Young & Design Award 1999 (Italia), The Good Design Award 2001 (Giappone), The Toyama Product Design Award 2001 (Giappone), ADI Design Index 2001 e 2005 (Italia) e il Compasso d’Oro nel 2011.

Letto SHELLON, design Setzu e Shinobu Ito per Euromobil- Desirée

Letto SHELLON, design Setzu e Shinobu Ito per Euromobil- Desirée

 

Alcuni loro progetti fanno parte della collezione permanente del Museo del Design in Triennale di Milano e Die Neun Sammlung International Design Museum di Monaco. Diverse pubblicazioni sono dedicate a loro, sia libri che riviste di settore: citiamo la biografia East-West Designer (Italia 2008), International Design Year Book (Sterling 1996, 1997, 1998, 2000, 2001, 2004, 2007), The Eco-Design Handbook (Sterling 2002), New Furniture Design (2005 negli Stati Uniti, Gran Bretagna e Germania), 1000 New Designs (Sterling 2006), European Design Since 1985 (2009), Plastic (Spagna 2007), Process (2009 Testata British Issue), e Elle Decor (Italia, Aprile 2010), per celebrare i 20 anni di attività della prolifica coppia.

Sono inoltre visiting professor presso Domus Academy, Politecnico e IED di Milano, IUAV di Venezia e Tsukuba University di Tokyo. Setsu Ito è membro della giuria dell’ IF Design Award 2015 in Germania.

Tavolo ENN- design Setzu e Shinobu Ito per Slowood

Tavolo ENN- design Setzu e Shinobu Ito per Slowood

Setsu Ito si è laureato all’Università Tsukuba in Giappone, ha in seguito collaborato con il leader del design italiano d’avanguardia Alessandro Mendini per lo Studio Alchimia, e con colui che considera maestro del design moderno, Angelo Mangiarotti. Shinobu Ito ha conseguito la laurea all’Università d’Arte Tama a Tokyo e iniziato la sua carriera presso CBS Sony (Sony Music Entertainment) in Sony Creative Products, seguita da un Master alla Domus Academy di Milano.

Isola, cucina. design Setsu e Shinobi Ito per Abitare il Tempo a Verona nel 2014

Isola, cucina. design Setsu e Shinobi Ito per Abitare il Tempo a Verona nel 2014

 

La loro peculiarità e forza sta nell’integrazione tra le tradizioni giapponese e italiana, e nella combinazione delle personalità e attitudini individuali, veicolate al progetto per Studio Ito Design. Hanno a cuore la tecnologia e l’artigianalità, attingendo alle tradizioni e ai mestieri antichi delle due nazioni, e il loro design invita a seguire un ritmo più lento e contemplativo della vita.

Nella loro vasta esperienza dei diversi settori del design si sono sempre avvalsi della collaborazione attiva con altri professionisti. Possiamo dire che il loro marchio di fabbrica è l’integrazione di forze congiunte per dare al processo creativo e progettuale una prospettiva ampia, e creare prodotti che abbiano una sostanza plurima, un senso dell’estetica data dalla composizione di diversi punti di vista e stili, legati alle diverse culture, ereditarie e progettuali o tecniche.

 

Centrotavola IKKO design Setzu e Shinobu Ito per Tumar

Centrotavola IKKO design Setzu e Shinobu Ito per Tumar

 

Il loro approccio alla progettazione implica un coinvolgimento più diretto dell’uomo con la natura e i suoi ambienti, arredi e packaging favoriscono questa intimità nuova. Indagano le relazioni interpersonali e sociali, e l’interazione tra i potenziali utilizzatori delle loro creazioni e lo spazio circostante, per costruirne di più dinamiche, in movimento e cambiamento come lo sono sempre il Tempo e lo Spazio. Il design si avvicina ancora alla Natura nel suo adattarsi a delle relazioni trasversali tra persone e cose, si basa infatti sui concetti di “cambiamento”, “movimento” e “ritmo” combinati al senso di attesa e anticipazione di volta in volta. La finalità è riuscire a scatenare delle emozioni, delle sensazioni tattili, e favorire determinati gesti.

In tema di interattività segnaliamo la presenza al Superstudio Più dell’azienda giapponese Aisin, che presenterà sistemi di mobilità avveniristici basati sull’innovativa tecnologia dei sensori. Lo studio Ito favorisce un rapporto mediato con la tecnologia, utile negli oggetti comuni ma resa più armonica e “addomesticata”, più vicina all’uomo grazie all’estetica. Si visioneranno elementi dal design originale ispirato alle tecnologie più avanzate del settore automobilistico come maniglie, sportelli e spoiler, e domestico, come letti e macchine da cucire.

Poltroncina WING-Setzu e Shinobu Ito per Euromobil- Desirée

Poltroncina WING-Setzu e Shinobu Ito per Euromobil- Desirée

 

Al Salone del Mobile 2015 di Rho vedremo la poltroncina WING, il letto SHELLON, per il gruppo Euromobil e l’azienda Desirèe. Si aggiunge la collezione DABLIU che è una vera e propria famiglia di elementi d’arredo; libreria, seduta, consolle, appendiabiti.

Wing accentua la leggerezza della struttura attraverso linee sinuose e sottili, e il suo schienale alto ricorda delle ali. Esso è particolarmente flessibile grazie a due strati di poliuretano, interno morbido ed esterno rigido.

Seduta-appendiabiti DABLIU-design Shinobu e Setzu ito per Euromobil- Desirée

Seduta-appendiabiti DABLIU-design Shinobu e Setzu ito per Euromobil- Desirée

 


Dabliu nasce dalla combinazione tra struttura in tondino metallico e basi in legno
, sono elementi d’arredo dalla linea rigorosa e scultorea. La libreria: cambia aspetto a seconda del punto di osservazione, la si può ruotare per ottenere un diverso effetto visivo, creando così una vera e propria architettura d’interni, sempre in accordo con l’idea dei designer di interattività dei pezzi in relazione alla loro mobilità. Shellon ricalca la stessa idea di lievità, appare come sollevato da terra per la posizione dei piedi e il loro taglio inclinato, che va rastremandosi verso l’interno. L’effetto di tridimensionalità è dato invece dalla lieve curvatura della testata, sottolineato dall’imbottitura rivestita con un tessuto percorso da linee irregolari, come pieghe suggerite.

E’ ancora una scultura mobile e dalla doppia funzione di seduta e appendiabiti la sedia Dabliu. Di grande impatto architettonico, si può inserire in diversi ambienti domestici. La struttura è come per la libreria in tondino metallico trattato e saldato; il cuscino in materiale poliuretanico è rivestito con tessuto sfoderabile. Lo stesso discorso vale per la consolle, il cui piano d’appoggio è in legno, e l’appendiabiti da parete.

Divano COCOCI-Setzu e Shinobu Ito per Slowood

Divano COCOCI-Setzu e Shinobu Ito per Slowood

L’azienda Slow Wood ospiterà – per il Fuorisalone 2015 nello showroom di Foro Buonaparte il divano COCOCI, la sedia e il tavolo ENN, e la poltrona e il paravento MORI.

La particolarità di Cococi sono i braccioli che prendono forma dall’unica struttura in legno di frassino che corre dietro lo schienale, si presentano sinuosi e scultorei, invitando all’esperienza tattile del legno e della sua naturalezza.

La stessa sensazione di calore e morbidezza del legno, resa ancor più pura dalla sua nudità, vive nella sedia e nel Tavolo Enn. Nella prima la struttura ricalca la forma esistente anche in natura, nell’irregolare andamento di schienale e seduta, e sostiene con eleganza lo schienale asimmetrico. Anche il tavolo presenta elementi asimmetrici come il piano, mentre perfettamente simmetrica risulta la struttura dai montanti a sezione ellittica, e si compone di due pezzi a forma di H.

Paravento MORI- design Setzu e Shinobu Ito per Slowood

Paravento MORI- design Setzu e Shinobu Ito per Slowood

 

Il paravento Mori è estremamente lineare e autoportante, formato da una base a S e una struttura verticale unite da listelli. Gioca con l’estetica dei pieni e dei vuoti. I designer affermano: è “come una persona nella foresta alberata, che vede e non vede, guardiamo con piacere l’insieme ma non distinguiamo tutta la molteplicità delle forme”.

Per l’azienda di illuminazione Ianiro in Via Spontini, durante il Fuorisalone 2015, sono presentate le lampade da terra IIIRO e IANEBEAM.

Iiro in giapponese significa colore. La lampada rivisita il proiettore professionale per illuminazioni in studi televisivi, con il corpo luminoso come una scatola cubica bianca e le facce laterali a forma di alette per direzionare il fascio luminoso. Un tubo telescopico sostiene il diffusore, è fissato con elementi metallici su una struttura lignea ed e’ possibile ruotare il corpo su se stesso a 360 gradi, sia verticalmente che orizzontalmente.

Lampada da terra IANEBEAM- Setzu e Shinobu Ito per Ianiro Illuminazione

Lampada da terra IANEBEAM- Setzu e Shinobu Ito per Ianiro Illuminazione

 

Ianebeam riprende invece il disegno del proiettore Ianiro per uso professionale, creando un proiettore per uso domestico, che riesce ad irradiare luce e calore visivo allo stesso tempo. Sono presenti le alette bianche per indirizzare il fascio di luce ma sulla parte frontale.

All’interno della mostra Hands on Design alla galleria Orsorama di via dell’ Orso, per il Fuorisalone 2015 ci sarà IKKO per Tumar, una collezione per la tavola composta da tovaglietta con centrotavola integrato, sottobicchiere e sottobottiglia o sottocaraffa. Ogni elemento è in 100% feltro naturale proveniente dal Kyrgyztan.

Il portaspazzolino Eda regge gli spazzolini Misoka, Salone del Mobile 2015

Il portaspazzolino Eda regge gli spazzolini Misoka, Salone del Mobile 2015

 

Per Fonderia Artistica Campagner, presso Misoka Opificio 31, Officina 2, via Tortona – zona ricca di eventi Fuorisalone 2015 per eccellenza – il Portaspazzolino EDA in fusione d’alluminio, progettato specificamente per lo spazzolino da denti nanotecnologico Misoka (design Kosho Ueshima).

Nella stessa location per Grassi Pietre, vedremo la Fontana IZUMI ( in giapponese “fonte naturale“), che fa riferimento al giardino zen e al naturale scorrere del tempo, dal suo centro l’acqua scorre fino al bordo del piano in pietra. Anche qui si gioca con i punti di vista, dall’alto le linee sono squadrate e minimali, tendono ad ammorbidirsi verso la base, nell’avvicinarsi al secondo elemento importante nel giardino zen, la Terra. Installabile sia in esterni che in ambienti chiusi.

MISOKA, allestimento dello spazio di Setsu e Shinobu Ito, Fuorisalone 2015

MISOKA, allestimento dello spazio di Setsu e Shinobu Ito, Fuorisalone 2015

 

KONOHA, sembra esser mossa dal vento come una foglia (in giapponese questo il significato del suo nome), nonostante sia di marmo. Siamo così ancora nell’atmosfera del giardino zen per il rimando al terzo elemento,l’Aria. Konoha si può appoggiar su tutti i lati, per aver così differenti piani di seduta. Ancora una volta un invito al rispetto e al piacere delle differenze nei punti di vista.

Michela Ongaretti

 

Favilla- render di Piazza S. fedele

Favilla. Ad ogni luce una voce, di Attilio Stocchi. Una scatola delle meraviglie al Fuorisalone 2015

Favilla. Ad ogni luce una voce, di Attilio Stocchi. Una scatola delle meraviglie al Fuorisalone 2015

Favilla Ogni luce una voce di Attilio Stocchi per il Fuorisalone2015. In occasione della 54esima edizione del Salone del Mobile 2015, dal 14 al 19 aprile, piazza San Fedele sarà animata dall’installazione Favilla. Ad ogni luce una voce, su progetto dell’ architetto Attilio Stocchi, aperta liberamente al pubblico. L’evento speciale sarà visitabile in contemporanea alla nuova edizione di EuroluceSalone Internazionale dell’ Illuminazione, esposizione biennale come Workplace 3.0 Salone Ufficio, presenti in questo 2015 di Expo.

Favilla di Attilio Stocchi. Interno del geodeSalone del Mobile 2015 – Favilla di Attilio Stocchi. Interno del geode

Se Euroluce porterà novità in fatto di apparecchi per l’illuminazione, insieme alle tecnologie nuove di software, sorgenti e sistemi di illuminazione, possiamo definire Favilla la sua controparte poetica. Il suo creatore Attilio Stocchi non ha pensato tanto agli effetti e utilizzi della luce, ma al senso di mistero e fascino che si cela dietro di essa, alle ricerche che per secoli sono state fatte per conoscere e capire la sua natura, alla sua origine corpuscolare e ondulatoria. Gli spettatori, o sarebbe meglio definirli attori, saranno immersi in un’esperienza che oltre ad essere spettacolare presenterà la luce nel suo aspetto scientifico.

ingresso euroluce2015

Il nome esprime appieno l’idea fondante: raccontare l’essenza della luce grazie all’associazione tra i suoi mutamenti e il suono, proprio nel 2015, dichiarato da Unesco Anno Internazionale della Luce e delle tecnologie basate sulla Luce.

Si tratta della terza installazione interattiva dell’architetto durante il Salone del Mobile. Nelle precedenti edizioni avevamo visto Cuorebosco (2011), sempre nella centralissima Piazza San Fedele, e Librocielo (2012).

All’interno di un grande black box si seguirà un percorso e si parteciperà ad un coinvolgimento didattico, che esplora non solo il modo i cui la luce si muove nello spazio per propagazione rettilinea, diffrazione, riflessione e razione, ma anche quei fenomeni naturali, vitali e stupefacenti, come la fotosintesi e l’arcobaleno.

Favilla- render di Piazza S. fedeleRender della struttura in Piazza San Fedele

Si scopriranno in maniera multisensoriale le sue manifestazioni e il modo in cui viene percepita dai nostri occhi, dato che si potranno scegliere suoni associati ad un diverso concetto relativo alla luce, come scoprire una personalità umana con i suoi differenti stati d’animo. Partendo da questa interazione Stocchi intende agire su due leve emotive per far prendere coscienza il visitatore: la Sorpresa e la Scoperta, che portano allo sviluppo di nuove e diverse prospettive sulla Scienza. Sorpresa di fronte al rivelarsi della luce come energia potente e immaginifica, motore del suo stesso manifestarsi, Scoperta della natura fisica e intrinseca della luce, immergendosi osmoticamente nei suoi fenomeni.

Favilla- render dell'internoFuorisalone 2015 – Favilla- render dell’interno

La luce è intesa come rivelazione e meraviglia. Per questo la grande scatola nera dentro alla quale ci si avventura rappresenta un geode, dove la scoperta delle sue misteriose profondità genera stupore progressivo, e nella moltiplicazione degli effetti visivi e dei riflessi ricorda la struttura di un cristallo.

Il percorso da seguire ricalca invece in maniera precisa ilpattern rappresentativo delle tragedie greche, avvalorando l’idea di racconto e rendendolo più coinvolgente. Sarà diviso in prologo, dixit Deus fiat lux et lux facta est, quattro episodi, quattro stasimi e un epilogo. Gli episodi espongono le quattro caratteristiche di movimento della luce: propagazione rettilinea, diffrazione, riflessione e rifrazione, che secondo la teoria di Newton del 1704 (Opticks), dimostrano che la luce è onda e corpuscolo allo stesso tempo. Gli stasimi o intermezzi illustrano invece quelle che Stocchi definisce “declinazioni vitali” di quelle caratteristiche nel mondo naturale: i raggi solari, la fotosintesi clorofilliana e l’arcobaleno.

Favilla. Episodio sulla riflessioneFavilla. Episodio sulla riflessione di Favilla, durante la MDW2015 in piazza S. Fedele

L’evento è sponsorizzato da Ford in collaborazione con il Salone del Mobile 2015. L’azienda automobilistica negli ultimi anni non ha esposto solo nei saloni per l’auto. L’Ovale Blu al Salone aveva già accolto alcuni oggetti lifestyle nelle precedenti edizioni e quest’anno vedremo nuovi prodotti elaborati dal suo team di designer internazionali. Ford considera la propria ricerca sull’innovazione, il connettersi con i consumatori per capire le loro aspirazioni e sorprenderli piacevolmente, accomunabili all’esperienza coinvolgente di Favilla. A tal proposito Moray Callum, Vice Presidente Design di Ford afferma: “Questa installazione conduce i visitatori attraverso un processo d’inaspettata scoperta che rispecchia perfettamente la filosofia di Ford per cui il design è un viaggio emozionale orchestrato intorno al cliente”.

Favilla- render dell'interno 2L’interno di Favilla, con la fruizione da parte del pubblico, in un render

Sempre Ford organizzerà al Salone un panel sul tema della privacy e del ruolo dello spazio, sia esso fisico virtuale o digitale, nella creazione di un ambiente o di un’esperienza appropriati. Attraverso lo studio la privacy si definisce come l’equilibrio tra ciò che i clienti di tutto il mondo sono disposti a condividere, e i benefici che in cambio ne conseguono. Non è esattamente il caso di Favilla ma sappiamo che il fenomeno recente dell’interattività implica anche una “scopertura” della privacy personale: per questo ogni ragionamento critico sulla tecnologia interattiva è utile, perché mette in gioco sempre più la nostra quotidianità, come il design, e l’amata imprescindibile luce sopra ogni cosa.

Favilla. Ogni luce una voce

Chi vi parla si è documentato, ma non ha potuto ancora immergersi nell’installazione Favilla. Ci ricordiamo però bene Cuorebosco, e siamo certi che il concept di Stocchi non lascerà dentro di noi la sensazione di una semplice lezione didattica. Favilla , se manterrà l’intento dell’installazione del 2011, potrebbe far permanere nel nostro animo un sentimento di curiosità amorevole verso la Natura e la sua manifestazione nella Luce, come una fiaba dove si svela un mistero.

Michela Ongaretti

 

 

WHEATFIELD-agnes-denes per smart-community porta nuova (1)

Smart Community . Design urbano e agricolo per Porta Nuova a Milano.

Smart Community .  Design urbano e agricolo per Porta Nuova a Milano.

Prima dell’avvio di Expo, per la precisione il 28 febbraio 2015 Fondazione Riccardo Petrella ha avviato il progetto Smart Community a Milano. Si apre idealmente la stagione di eventi che coinvolgeranno la città nel periodo di Expo, con un momento cardine per i principi animanti che culminerà nella Design Week 2015, con l’operazione di design pubblico ” L’Italia si alza ” . Il nome Smart Community deriva dalla definizione più ampia di Smart City, per specificarsi nella missione di non fermarsi alla dimensione tecnologica e dei consumi energetici, per concentrarsi maggiormente sulla dimensione umana. La centralità della persona torna ad essere protagonista, con i suoi bisogni primari e sociali. Si tratta di un programma articolato in tre atti principali: Porta Nuova Smart Lab, I Progetti della gente , e il Porta nuova Smart Community Festival, in corso per tutto il 2015.

foto area parco Wheatfield dal Bosco Verticale.Milano durante il Fuorisalone 2015. Una foto area del parco dedicato all’opera Wheatfield, vista dal Bosco Verticale.

Il ricco e complesso calendario e’ stato ideato dalla Fondazione Riccardo Petrella, che ha apertamente coinvolto altre realtà sempre del settore no profit, tra cui le Fondazioni Cariplo, Cometa, Feltrinelli, Romeo ed Enrica Invernizzi e Nicola Trussardi. Per lo start up è stato molto importante il supporto istituzionale del Ministero delle Politiche Agricole, Alimentari e Forestali, della Regione Lombardia e del Comune di Milano. Hanno poi contribuito : come main partner Samsung e quali sponsor tecnici Ethimo, Metro5, Confagricoltura, Mixmilanoper, Nuova Malegori, Produttori Sementi di Bologna, Ratanà come food partner. Il canale televisivo Discovery Italia fornirà ausilio come media partner e Razorfish sarà il digital partner , fondante per una parte di progetto.

WHEATFIELD-agnes-denes per smart-community porta nuova (1)

Rendering di WHEATFIELD- Agnes Denes per Smart Community porta nuova

Fondazione Petrella è nata con l’intento di sviluppare progetti civici di valorizzazione e animazione degli spazi pubblici e nelle aree verdi cittadine. Si favorisce e incentiva quindi la creatività e l’innovazione italiane, e l’approfondimento del sapere nell’ambito architettonico, dell’urbanistica del verde e della sostenibilità ambientale , del design e della comunicazione. Smart Community è studiato nello specifico per l’area di porta Nuova e coincide con il completamento del quartiere, che è stato il cuore in questi anni della radicale trasformazione architettonica e urbanistica milanese.

Porta Nuova Smart Lab si configura come un laboratorio di ricerca e di analisi di dati, intesi come fattori determinanti la qualità della vita degli abitanti in primis, di tutti coloro che vivono lavorativamente o semplicemente transitano, nel distretto urbano. Sono stati messi a punto vari strumenti informativi e di rilevazione, per studiare la comunità reale e virtuale orbitante e presentare un modello inedito di analisi del territorio e della città, idealmente destinato ad essere utilizzato nell’elaborazione di nuovi insediamenti, nel prossimo futuro. Ciò che ne uscirà sarà il sentimento, l’umore dei cittadini verso l’ambiente vissuto quotidianamente. A tal fine la Fondazione, in collaborazione con l’associazione MIX Milano per e Razorfish, ha creato una nuova applicazione chiamata MIXMood.

I Progetti della Gente sono, a nostro avviso, la parte più interessante, perchè coinvolge direttamente la creatività e il desiderio di coesione ed identità dei cittadini. Sono iniziative nate dal processo pluriennale di ascolto degli abitanti da parte della Fondazione pronte a creare, in risposta a tali richieste, attività negli spazi pubblici. Si divide in due progetti: “MiColtivo. The Green Circle” e “L’Italia si alza”.

rendering di Wheatfield

Fuorisalone 2015 -rendering di Wheatfield di Agnes Denes

Per MiColtivo l’azione principale sarà la realizzazione dell’opera d’arte ambientale WHEATFIELD dell’artista statunitense Agnes Denes (1931), che aveva realizzato un lavoro molto simile a New York, Battery Park City, nel 1982.

Oggi a Milano, nell’area non edificata di fronte al palazzo del Bosco verticale, la stessa che ospiterà il nuovo parco pubblico “Biblioteca degli Alberi”, cinque ettari di terreno sono stati seminati dai cittadini il 28 febbraio. Nell’arco di qualche mese crescerà il grano, e tutti i cittadini e visitatori sono chiamati ad impegnarsi in tutte le fasi della coltivazione, fino alla sua raccolta in ottobre. Il campo sarà ufficialmente aperto al pubblico sabato 11 aprile, in occasione del Miart 2015. Questo evento, ideato in sinergia con la Fondazione Trussardi e Confagricoltura, si ricollega direttamente al tema di Expo2015 “ Nutrire il pianeta. Energia per la vita”: intende riportare alla ribalta valori come la condivisione dell’energia e del cibo, cura dell’ambiente e crescita economica e sociale, imprescindibili dal rispetto individuale e di comunità. L’esperienza vorrebbe anche legarsi al ricongiungimento con la nostra tradizione, alla nostra storia agricola, per riflettere sul suo destino futuro. Come percorso di agricoltura urbana altra tappa fondamentale sarà “Coltiviamo insieme!” costituito dalla realizzazione di un orto con un frutteto di 4000 metri quadri nell’area accanto al parco pubblico di via De Castillia 28. L’intero progetto sarà poi descritto attraverso una video mostra, al piano terra della sede della Fondazione Catella, accanto al parco. Completa il ciclo, e il percorso circolare descritto attraverso queste quattro tappe, la collocazione di un totem digitale che illustrerà le tematiche della biodiversità e sostenibilità, partendo dall’esempio del Bosco verticale, vincitore dell’International Highrise Award nel 2014. La direttrice Kelly Russel ha dichiarato inoltre che il percorso degli orti e dei campi coltivati vuole diventare uno strumento indispensabile di didattica per le scuole pubbliche e private.

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 Schizzi di Sedie, Mario Ferrarini per il progetto L’Italia si Alza, Fuorisalone 2015

L’Italia si alza è invece un vero e proprio progetto di design pubblico per l’arredo urbano, elaborato dalla Fondazione Catella e l’Associazione Cometa, basato sull’idea del sapere e del fare che parte dalla popolazione, come motore di crescita per l’Italia.

Si è deciso di coinvolgere la scuola professionale Oliver Twist e i suoi studenti, che si sono al contempo avvicinati al mondo del lavoro e del design. I ragazzi progetteranno una sedia per esterni , e grazie all’indispensabile aiuto del produttore Ethimo realizzeranno tre prototipi: saranno i finalisti, esposti durante la Design Week a Porta Nuova, per essere pubblicamente votati on line sulla pagina Facebook di Porta Nuova Smart Community dal 10 al 28 aprile, anche una giuria di professionisti presieduta da Michele De Lucchi interverrà nella scelta. Si richiedono i seguenti requisiti: sedia per esterni, parchi o spazi pubblici, che sia un oggetto creativo ma resistente, facilmente trasportabile e immagazzinabile, dai costi di produzione contenuti.

Questo prodotto è simbolo di una socialità urbana rinnovata nella riqualificazione degli spazi, e del desiderio di scelta del cittadino che decide cosa contribuisca alla qualità anche estetica dell’ambiente. Tre designer professionisti hanno seguito 70 studenti frequentanti i corsi di falegnameria e tessile della Oliver twist, affiancandosi ai docenti nel percorso formativo. Hanno lavorato con entusiasmo Philippe Bestenheider, Giopato Coombes e Mario Ferrarini.

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Schizzi di Sedie, Giopato Coombies per il progetto L’Italia si Alza, Fuorisalone 2015

Parte dell’insegnamento viene da quella che pare emergere come tematica dell’anno, condivisibile per Expo e il cibo, ma che sarà senza dubbio protagonista del Salone del Mobile, e cioè l’idea che non possa esistere innovazione senza conoscenza della tradizione. L’aspetto artigianale della produzione rimane un valore inalienabile del Made in Italy, e questo è un valore da insegnare alle nuove generazioni: ai nuovi lavoratori, siano essi designer, artigiani o utilizzatori del prodotto finito.

Infine Porta Nuova Smart Community Festival è uno scrigno di eventi e manifestazioni in corso nel periodo di Expo nel quartiere, iniziato già dalla semina pubblica del 28 febbraio, con un ricco ventaglio da Aprile, dall’apertura dei parchi agricoli all’esposizione dei 100 esemplari della sedia vincitrice, che arrederà davvero porta Nuova durante la Design Week 2015.

Michela Ongaretti