Heaven+Earth è un’installazione multimediale ad 8 canali video e 6 canali sonori, di John Sanborn e Ionee Waterhouse, con la musica di Andrea Ludovic. Sarà indimenticabile per i visitatori del Castello dei Ventimiglia, sede del Museo Civico di Castelbuono (PA), che la ospita fino al 30 agosto 2026.
L’opera è stata commissionata dalla direttrice del museo Laura Barreca, forte del sostegno del PAC2025 – Plan for Contemporary Art, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, con l’ambizione di creare un dialogo tra il linguaggio della contemporaneità e quello dell’apparato decorativo di Giuseppe Serpotta nella Cappella di S. Anna, completata nel 1687.
Si tratta di un’installazione spettacolare, complessa e mossa da riflessioni profonde, le cui possibilità immersive, e di conseguenza emozionali, sono state sviluppate confidando in un lungo processo di sperimentazione e fusione linguistica. Mi capita raramente di incontrare ricerche che siano davvero congiunte, aperte a mescolarsi ad un’altra mente artistica. E’ ciò che genuinamente accade qui, tra le sale di un museo che vuole sentirsi vivo attraverso la relazione tra epoche e idee.
Due menti in un unico flusso di creazione, esperienze e sensibilità in un continuo osmotico dialogo.
Su questo respiro ho concentrato il mio breve intervento in occasione della presentazione di H+E al MEET di Milano, parte del public program museale. Sull’esperienza dell’osservatore che si “immerge” in un unico flusso rivelatore generato da due visioni soggettive interessate a suggerire nuovi sensi intrecciandosi nello spazio sacro ( e magico) della collaborazione immaginativa e tecnologica. Così sono felice di condividere anche con i lettori di artscore.it un punto di vista sull’incontro con l’opera siciliana e i suoi autori.
John Sanborn e Ionee Waterhouse sono due figure di spicco nel panorama internazionale della videoarte e della sperimentazione digitale. John è un pioniere delle arti elettroniche, mentre Ionee è nota per l’uso del video mapping e di nuove forme di animazione generativa. Insieme offrono uno sguardo nel regno dell’Instabilità o forse, in qualcosa di più profondo: le dinamiche visive ci trascinano verso il loro inarrestabile mutamento: è un invito aperto ad entrare.
Una metamorfosi radicale
Davanti a Heaven+Earth ci si sente presto completamente assorbiti. Poi si inizia a riconoscere se stessi come un elemento mutevole in continua mutazione, e anche il valore della propria identità individuale cambia; inizia a dissolversi e a ritrovarsi all’interno di un flusso cosmico, personale e collettivo. Ci si risveglia alla consapevolezza di esistere dentro un’eterna metamorfosi, che è, in fin dei conti, un modo di intendere la vita stessa.
In effetti il primo incontro con gli stucchi di Serpotta a Castelbuono ha regalato a Sanborn un’impressione di pura trascendenza: “una proiezione ultraterrena della fede, della determinazione dell’umanità a sopravvivere e di una sfida alla mortalità”. Idea che si è estesa nell’opera del 2026 ad una celebrazione gioiosa della natura ciclica dell’esistenza, frutto di un lungo processo di sperimentazione, reinterpretazione ed evoluzione tecnologica, maturato nel corso degli ultimi due anni, intrecciando in maniera sempre più fluida le tecniche che i due artisti utilizzano nelle rispettive pratiche.
Misticismo dei pionieri
Ionee Waterhouse è già nota al Museo di Castelbuono: dal 2023 il suo video-collage basato sull’IA, ECHOES, fa parte della collezione permanente del museo, diventando la prima opera d’arte del suo genere a essere acquisita da un museo civico in Italia. Fortunatamente, la videoarte e la media art stanno finalmente ottenendo un vivace seguito nel paese, anche grazie a opere pionieristiche come Heaven+Earth.
Dalle scansioni ai paesaggi spirituali
Tutto è iniziato con estesi processi di scansione: degli stucchi, della Cappella di Sant’Anna stessa e di 33 abitanti di Castelbuono, “colonna portante e la materia prima dell’esposizione”. In questa fase i due artisti hanno lavorato autonomamente su un’area. Così Sanborn si è concentrato principalmente sulle scansioni delle persone di Castelbuono, dando vita a reinterpretazioni tramite intelligenza artificiale, composizioni stratificate e trasformazioni basate sull’editing derivate dall’elemento umano — sviluppando così “Earth” — mentre Waterhouse si è dedicata alle scansioni della Cappella di Sant’Anna, agli stucchi e alla dimensione architettonica della cappella, dedicandosi a quello che è diventato il livello più “celestiale” dell’opera.
Più su motion graphics derivate dalle scansioni della cappella e delle sculture che sul materiale generato da intelligenza artificiale interviene Waterhouse. Al suo Heaven si accede mediante processi radicati nella live visual performance e nella sintesi digitale. Tramite una libera manipolazione delle immagini del luogo sacro, via glitch, modulazione, stratificazione, distorsione temporale e frammentazione si raggiunge quel territorio instabile di paesaggi (e passaggi) spirituali.
La mostra si snoda attraverso tre spazi interconnessi: la Sala Principale (Main Room), il Corridoio Glitch (Glitch Corridor) e l’Installazione di Video Mapping Scultoreo (Sculptural Video Mapping Installation).
Tecnologia in evoluzione
Tutto si muove. Sistemi digitali e di intelligenza artificiale si sono evoluti in modo estremamente rapido e così sono cambiate continuamente le metodologie degli artisti. Jonee testimonia: “L’esposizione è diventata non solo un focus sulle opere finali in sé, ma anche sulla relazione in continua evoluzione tra gli artisti, la tecnologia, la memoria, la percezione, la spiritualità e la trasformazione”.
Nel Glitch Corridor, nucleo concettuale dell’investigazione su percezione e instabilità
Qui si mette in risalto l’apparizione del glitch, fondamentale per tutta la creazione di H+E: non un errore, bensì come una condizione esistenziale rivelatrice. “Un glitch svela la fallibilità insita nei nostri metodi di percezione, amplificandone la consapevolezza e aprendo alla possibilità di cambiare la nostra interpretazione della realtà. Un errore (comune), al contrario, si nasconde all’interno di un’illusione di coerenza”. D’altronde le nostre vite sono intessute di frammentazioni e interruzioni, che come nella distorsione dei glitch, sconfessano la nostra umana imperfezione. Nel corridoio questo linguaggio visivo creato da Waterhouse si fonde nella struttura del montaggio di Sanborn in un ambiente di transizione tra realtà fisica e coscienza alterata, in cui la percezione diventa “fluida e incerta”.
Infine, nell’installazione di sculptural video mapping, la mostra raggiunge il suo apice simbolico ed emozionale.
Qui i volti scultorei sono esempio di una fusione di Terra e Cielo, generati combinando le scansioni della pelle e dei visi degli abitanti di Castelbuono, i rilievi degli stucchi e dei dettagli architettonici della Cappella di Sant’Anna e i volti dei due artisti stessi. I ritratti rappresentano la dualità persino nel genere: mediante il video mapping fluttua continuamente tra mascolino e femminino dissolvendosi e ricostituendosi nell’altro. E così l’identità instabile ( di sculture stampate fisicamente in 3D e successivamente mappate) può permeare una soglia, accarezzando gli opposti di corpo e spirito, materia e immagine, mortalità e trascendenza. In questa dinamica non osserviamo un evento singolo nella trasformazione, bensì come un ciclo ricorrente di crollo, ricostruzione, mutazione e rinnovamento.
Un’allegoria empatica al contesto
Fin dal titolo Heaven+Earth dichiara un’affinità con lo spirito dualistico che caratterizza l’apparato decorativo di Serpotta, tema su cui si è soffermata l’esperta Alessandra Buccheri nel testo a catalogo, edito da Silvana Editoriale, a cura di Laura Barreca e Stephen Sarrazin con testi critici a cura dei membri del comitato scientifico.
La forza espressiva dell’ambientazione vive sia nel barocco di Serpotta che nel suo ricollegarsi alla tradizione delle decorazioni dette “a grottesca”, con il loro linguaggio radicato in un gioco costante di fluida mutevolezza di forme e significati simbolici, Dalla loro scoperta all’interno della Domus Aurea intorno al 1480, le grottesche furono molto amate da illustri mecenati e artisti per lungo tempo. Lo stesso tipo di narrazione si legge nelle decorazioni a stucco di Serpotta, storie di metamorfosi e ibridazione che ricoprono quasi completamente la superficie muraria della cappella. Così, persino il dialogo con la preesistenza è un rispecchiamento continuo, che costituisce l’essenza stessa di Heaven+Earth.
In più l’opera contemporanea dispone di strumenti simbolici ed espressivi come movimento e suono.
Entrambi concorrono a quella instabilità dell’immagine che diventa dimensione cosmica, dove esistere è trasformarsi fino a compenetrare altre immagini. Altre vite, altre forme e identita’ che si sgretolano e ricompongono in ulteriori combinazioni.
In Heaven+Earth il suono rappresenta una dimensione fondamentale, evocata grazie alla collaborazione con la musicista elettronica e sound artist Andrea Ludovic, artista poliedrica con una laurea in ingegneria elettronica e una forte passione per la produzione musicale e il sound design. La sua musica fonde paesaggi sonori espansivi, ritmi progressivi incalzanti e arrangiamenti di ispirazione orchestrale, plasmando il respiro narrativo di H+E per accompagnarci verso quello stato in cui ogni cosa non contempla il suo opposto, ma con esso convive.
La sua empatia sonora con l’opera va intesa come una vera e propria opera di sound art: un’installazione sonora a sei canali che comprende composizione musicale, processi di glitch, spatial audio design e registrazioni ambientali, tra cui i suoni di Castelbuono e dei suoi abitanti. Inoltre crea un ambiente immersivo in cui ogni visitatore percepisce in modo diverso a seconda della posizione all’interno della sala.
Nella cappella tutto riconduce alla tensione tra il bene e il male intesa come principio fondante della vicenda umana.
Gruppi di figure antropomorfe e zoomorfe si ibridano a vicenda intrecciandosi con forme vegetali e astratte, come in una grottesca. Creature dalla connotazione evidente: “mostruose e ibride, come arpie, draghi, pelli di animali e mascheroni, si alternano con immagini rassicuranti e salvifiche di fiori, arieti, puttini, volti di uomini sorridenti”. Questa eredità si anima poeticamente nell’interpretazione di Sanborn e Waterhouse, nel flusso ininterrotto di metamorfosi.
Dalle diadi del titolo (Heaven+Earth) a contrappunti universali come bene e male, bello e brutto, passato e presente, c’è una ragione profonda dietro il loro incontro: la loro definitiva trasgressione in una dimensione assoluta. Sanborn e Waterhouse indagano il territorio mistico tra il tangibile e l’invisibile, il materiale e il trascendente. Suggerendo che la vita umana non ha corso lineare ma ciclico: “ci ripieghiamo in noi stessi, ci rompiamo, ci dissolviamo e riemergiamo sotto forma di nuove sembianze”.
Fondendo reinterpretazioni digitali di stucchi barocchi con i volti di persone viventi, Heaven+Earth lega il divino all’ordinario. In questo modo ne rivela il terreno comune: fragilità, meraviglia, contraddizione e un profondo desiderio di continuità.
Qui, la conversazione tra intelligenza artificiale, patrimonio storico e presenza umana diventa uno spazio vivo, in cui si fa esperienza di rinascita, memoria e trascendenza. Ci accorgiamo di come cielo e la terra siano più vicini di quanto si possa mai immaginare. Il cielo non è sopra di noi; ci circonda, accarezza la nostra energia. La terra non è sotto di noi, ma dentro di noi, poiché proveniamo dalla sua essenza e a quella fonte ritorneremo, “lasciandoci alle spalle le impronte elettriche dei ricordi”.
Sempre Samborn ci confida con Heaven+Earth : ciò che chiamiamo celeste non è distanza; è profondità. È uno spazio interiore in cui il passato e il possibile parlano la stessa lingua. All’interno della nostra esistenza terrena, gioia e dolore si intrecciano costantemente. La loro coesistenza non è una contraddizione, ma il ritmo stesso che definisce la nostra umanità.
Dal 6 al 9 agosto Heaven+Earth si accompagna inoltre al Ypsigrock Festival, un festival di musica indipendente, tra i più importanti eventi europei per la cultura musicale contemporanea. Per l’occasione attendiamo nuovi interventi di videomapping di Ionee Waterhouse. Un ulteriore invito a raggiungere Castelbuono.
Per maggiori informazioni: museocivicocastelbuono.it/mostra/heavenearth
ENGLISH VERSION
Heaven+Earth. A spiritual dimension born within the fusion of languages
Heaven+Earth is a multimedia installation featuring 8 video channels and 6 sound channels, created by John Sanborn and Ionee Waterhouse, with music componed by Andrea Ludovic. It promises to be an unforgettable experience for visitors to the Ventimiglia Castle, home of the Museo Civico di Castelbuono (Palermo), where it will be hosted until August 30, 2026.
The artwork was commissioned by the museum’s director, Laura Barreca, with the vital support of PAC2025 – Plan for Contemporary Art, promoted by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture. Its ambition is to foster a dialogue between contemporary language and the intricate decorative framework of Giuseppe Serpotta in the St. Anne Chapel, which was completed in 1687.
It is a spectacular, complex installation driven by profound reflections, whose immersive—and consequently emotional—possibilities have been developed by relying on a lengthy process of experimentation and linguistic blending. Rarely do I encounter research that is so genuinely collaborative, open to merging with another artistic mind. This is precisely what happens here, within the rooms of a museum that seeks to feel alive through the relationship between different eras and ideas.
Two minds in one flow, experiences and sensibilities in a continuous, osmotic dialogue.
It was upon this very breath that I focused my brief remarks at the presentation of H+E at MEET in Milan, as part of the museum’s public program. On the experience of the observer who “immerses” themselves in a single, revealing flow generated by two subjective visions—each intent on suggesting new meanings by intertwining within the sacred (and magical) space of imaginative and technological collaboration. Thus, I am delighted to share with the readers of artscore.it a perspective on this encounter with the Sicilian artwork and its creators.
John Sanborn and Ionee Waterhouse are two prominent figures on the international stage of video art and digital experimentation. John is a pioneer of electronic arts, while Ionee is known for her use of video mapping and new forms of generative animation. Together, they offer a glimpse into the realm of Instability or perhaps, into something deeper. The immersive visual dynamics carry us away with their unstoppable shifting, their ever-changing, moving shapes. It is an open invitation to step inside
A radical metamorphosis
Standing before Heaven+Earth, one quickly feels completely absorbed. Soon, you begin to recognize yourself as a shifting element in a state of continuous mutation, and the very value of your individual identity changes; it begins to dissolve, only to rediscover itself within a cosmic flow that is both personal and collective. You awaken to the realization of existing within an eternal metamorphosis—which is, ultimately, a way of understanding life itself.
Indeed, his first encounter with Serpotta’s stuccos in Castelbuono gave Sanborn an impression of pure transcendence: “an otherworldly projection of faith, of humanity’s determination to survive, and a defiance of mortality.” In the 2026 artwork, this idea expanded into a joyful celebration of the cyclical nature of existence. It is the result of a lengthy process of experimentation, reinterpretation, and technological evolution that matured over the past two years, weaving together ever more fluidly the techniques the two artists employ in their respective practices.
Pioneer mysticism
Ionee Waterhouse is no stranger to the Museo di Castelbuono: since 2023, her AI-based video-collage, ECHOES, has been part of the museum’s permanent collection, becoming the first artwork of its kind to be acquired by a civic museum in Italy. Fortunately, video art and media art are finally gaining a vibrant following in the country, thanks in part to pioneering works like Heaven+Earth.
From scans to spiritual landscapes
It all began with extensive scanning processes: of the stuccos, the St. Anne Chapel itself, and 33 inhabitants of Castelbuono, the “backbone and raw material of the exhibition.” During this phase, the two artists worked independently on separate areas. Sanborn focused primarily on the scans of Castelbuono’s people, bringing to life AI-driven reinterpretations, layered compositions, and editing-based transformations derived from the human element—thus developing “Earth.” Meanwhile, Waterhouse dedicated herself to the scans of the St. Anne Chapel, the stuccos, and the architectural dimension of the space, focusing on what became the more “celestial” layer of the work.
Waterhouse intervenes more through motion graphics derived from the scans of the chapel and its sculptures than through AI-generated material. Her Heaven is accessed through processes rooted in live visual performance and digital synthesis. Through the free manipulation of images from the sacred site—via glitches, modulation, layering, time distortion, and fragmentation—one reaches that unstable territory of spiritual landscapes (and passages).
The exhibition unfolds across three interconnected spaces: the Main Room, the Glitch Corridor, and the Sculptural Video Mapping Installation.
Evolving technology
Everything is in motion. Digital and artificial intelligence systems have evolved at an extremely rapid pace, and as a result, the artists’ methodologies have continually shifted. Waterhouse reflects: “The exhibition became not only a focus on the final artworks themselves, but also on the ever-evolving relationship between the artists, technology, memory, perception, spirituality, and transformation.”
Inside the Glitch Corridor, the conceptual core of the investigation into perception and instability
Here, the manifestation of the glitch is brought to the forefront, serving as a fundamental element for the entirety of H+E: not as an error, but rather as a revealing existential condition. “A glitch uncovers the fallibility inherent in our methods of perception, amplifying our awareness of it and opening up the possibility of changing our interpretation of reality. A (common) mistake, by contrast, hides within an illusion of coherence.” After all, our lives are woven with fragmentations and interruptions, which, much like the distortion of glitches, acknowledge our human imperfection. Within the corridor, this visual language created by Waterhouse merges with the structure of Sanborn’s editing into a transitional environment between physical reality and altered consciousness, where perception becomes “fluid and uncertain.”
Finally, in the sculptural video mapping installation, the exhibition reaches its symbolic and emotional climax.
Here, the sculptural faces exemplify a fusion of Earth and Heaven, generated by combining scans of the skin and faces of Castelbuono’s residents, the reliefs of the stuccos and architectural details of the St. Anne Chapel, and the faces of the two artists themselves.
The portraits represent duality even in terms of gender: through video mapping, they continuously fluctuate between masculine and feminine, dissolving and reconstituting into one another. In this way, the unstable identity (of physically 3D-printed and subsequently mapped sculptures) can permeate a threshold, caressing the opposites of body and spirit, matter and image, mortality and transcendence. Within this dynamic, we do not observe a single transformative event, but rather a recurring cycle of collapse, reconstruction, mutation, and renewal.
An empathetic allegory to the context
Right from its title, Heaven+Earth declares an affinity with the dualistic spirit that characterizes Serpotta’s decorative framework—a theme explored by expert Alessandra Buccheri in the catalogue essay, published by Silvana Editoriale and edited by Laura Barreca and Stephen Sarrazin, featuring critical texts by the members of the scientific committee.
The expressive power of the setting thrives both within Serpotta’s Baroque style and in its connection back to the tradition of “grotesque” decorations, with their language rooted in a constant interplay of fluid mutability of forms and symbolic meanings. Grotesques were long cherished by illustrious patrons and artists following their discovery inside the Domus Aurea around 1480. This very same type of narrative can be read within Serpotta’s stucco decorations—stories of metamorphosis and hybridization that almost entirely cover the chapel’s wall surfaces. Thus, even the dialogue with the pre-existing space becomes a continuous mirroring, which constitutes the very essence of Heaven+Earth.
Furthermore, the contemporary artwork deploys symbolic and expressive tools such as motion and sound.
Both contribute to that instability of the image which expands into a cosmic dimension, where to exist is to transform, ultimately interpenetrating other images, other lives, other forms, and identities that crumble and recompose into further combinations. In Heaven+Earth, sound represents a fundamental dimension, evoked through the collaboration with electronic musician and sound artist Andrea Ludovic—a multifaceted artist with a degree in electronic engineering and a strong passion for music production and sound design.
Her music blends expansive soundscapes, driving progressive rhythms, and orchestrally inspired arrangements, shaping the narrative breath of H+E to guide us toward a state where nothing merely contemplates its opposite, but instead cohabits with it. Her sonic empathy with the artwork is to be understood as a true piece of sound art: a six-channel sound installation encompassing musical composition, glitch processes, spatial audio design, and field recordings, including the sounds of Castelbuono and its inhabitants. Moreover she create an immersive environment in which each visitor perceives the work differently depending on their position within the room.
Within the chapel, everything leads back to the tension between good and evil, understood as a founding principle of the human experience.
Groups of anthropomorphic and zoomorphic figures hybridize with one another, intertwining with botanical and abstract forms, much like a grotesque. Creatures with clear connotations—“monstrous and hybrid, such as harpies, dragons, animal pelts, and mascheroni—alternate with reassuring and salvific images of flowers, rams, cherubs, and smiling human faces.” This heritage comes poetically alive in Sanborn and Waterhouse’s interpretation, within an uninterrupted flow of metamorphosis.
From the dyads of the title (Heaven+Earth) to universal counterpoints like good and evil, beautiful and ugly, past and present, there is a profound reason behind their encounter: their definitive transgression into an absolute dimension. Sanborn and Waterhouse investigate the mystical territory between the tangible and the invisible, the material and the transcendent. They are deeply aware that human life does not follow a linear path, but a cyclical one: “we fold in on ourselves, we break, we dissolve, and we re-emerge in the form of new appearances.”
By fusing digital reinterpretations of Baroque stuccos with the faces of living people, Heaven+Earth binds the divine to the ordinary. In doing so, it reveals their common ground: fragility, wonder, contradiction, and a profound desire for continuity.
Here, the conversation between artificial intelligence, historical heritage, and human presence becomes a living space, where one experiences rebirth, memory, and transcendence. We realize that heaven and earth are closer than we could ever imagine. Heaven is not above us; it surrounds us, caressing our energy. Earth is not beneath us, but within us, for we come from its essence and to that source we shall return, “leaving behind the electrical footprints of memories.”
Sanborn further confides to us through Heaven+Earth: what we call celestial is not distance; it is depth. It is an interior space where the past and the possible speak the same language. Within our earthly existence, joy and pain are constantly intertwined. Their coexistence is not a contradiction, but the very rhythm that defines our humanity.
From August 6 to 9, Heaven+Earth will also be accompanied by the Ypsigrock Festival, an independent music festival that stands as one of the most important European events for contemporary music culture. For the occasion, we look forward to new video mapping interventions by Ionee. Yet another invitation to a journey to Castelbuono.
From August 6 to 9, Heaven+Earth will also be accompanied by the Ypsigrock Festival, an independent music festival that stands as one of the most important European events for contemporary music culture. To mark the occasion, I eagerly anticipate new video mapping works by Ionee Waterhouse. Yet another invitation to journey to Castelbuono.
Michela Ongaretti
