Particolare della scrittura di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

Una tenace leggerezza. La scrittura pittorica di Katia Dilella

Una tenace leggerezza. La scrittura pittorica di Katia Dilella

Ci sono immagini che si fissano nella memoria e che emergono a tratti molto tempo dopo, spesso nel mio caso sono opere artistiche osservate in momenti fugaci. Sono storie che non hanno finito richiamarmi nel loro mondo, per questo non le posso dimenticare. Ricordo bene l’impressione che mi fecero quelle immagini fatte di parole, tante minuscole parole a costruire pulviscoli di materia grafica addensati in un’area più o meno geometrica, adagiate con insistente delicatezza su delle tele chiare con leggere colorazioni del fondo. Erano gli ultimi lavori di Katia Dilella osservati troppo velocemente alla sua personale presso la galleria Gli Eroici Furori, nel giugno di quest’anno.

 

Masse pulviscolari di lettere e colore sugli ultimi lavori di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

Masse pulviscolari di lettere e colore sugli ultimi lavori di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

 

Ho conosciuto l’artista tre mesi dopo e avevo ancora a mente i suoi lavori. Mi ha invitato a visitare il suo studio ed ero molto lieta di poter approfondire lo stimolo dato dalle opere alla prima visione. Avevo osservato solo in foto la sua ricerca precedente: mi sembrava di cogliere una dissonanza tra le rappresentazioni scarnificate di interni domestici, crudi nel loro onirico livore, e quella grazia rarefatta delle lettere che apparivano sulle ultime tele, nebulose cariche di segni e dense di contenuti per quanto inintelligibili. Ciò che mi sembrava differente dei due percorsi era il modo di entrare nella mente dell’osservatore, il primo immediato come uno sguardo cinematografico e il secondo palese alla vista gradualmente, come quando si mette a fuoco un oggetto.

 

L'incontro con Katia Dilella nel suo studio, ph. Sofia Obracaj

L’incontro con Katia Dilella nel suo studio, ph. Sofia Obracaj

 

Chi vi parla è una persona fortunata, perché vedere le opere d’arte nello studio di un artista è sempre un privilegio. Anche se i lavori escono, tanti sono venduti e altri sono fuori per delle esposizioni, sempre ci sono testimonianze di una storia artistica, tappe del percorso di ricerca creativa. Così ho discusso con Dilella sui dipinti dei suoi due principali periodi, e ho trovato una logica coerente a partire dal soggetto.

 

Dipinti e cornici nella studio di Katia Dilellla, ph. Sofia Obracaj

Dipinti e cornici nella studio di Katia Dilellla, ph. Sofia Obracaj

 

Mi mostra alcuni dipinti realizzati fino al 2014,sono interni domestici o urbani, non ripresi dal vero ma dipinti a memoria. Ecco già per me un segnale di continuità nell’interiorizzazione di un’immagine concreta, dove i particolari cambiano tra l’atto visivo e il suo ricordo. Il realismo è interiore anche se con chiarezza delinea un paesaggio che “zoomma” su oggetti di uso comune, spesso sedie con la loro immediata carica simbolica. Il riferimento è all’assenza, all’attesa, alla traccia del passaggio vitale e umano, rappresentato attraverso la sua fisicità, il suo peso, di cui questi arredi segnano la mancanza.

 

Un particolare dello studio di Katia Dilella, sulla sfondo alcuni lavori della precedente ricerca. Ph. Sofia Obracaj

Un particolare dello studio di Katia Dilella, sulla sfondo alcuni lavori della precedente ricerca. Ph. Sofia Obracaj

 

Come in sogno lo sguardo vaga attorno agli oggetti definiti dalla pittura mossa da curiosità verso le sfumature e i toni smorzati. In alcuni lavori, i più vecchi, penso a quelli visti con interni di autobus, il colore si condensa vivace e timbrico in un particolare preciso, a indicare e connotare lo spazio osservato. Però è un sogno raccontato che fa precipitare l’occhio sul particolare in evidenza, quando invece penso alle sedie nella ricerca coloristica tonale sento un invito ad avvicinarmi, a vagare nello spazio sempre più vicino al soggetto e meno distinguibile dal fondo. Già da questo momento emerge anche una logica lineare dove è la traccia il segno che forma, unita al discorso sul colore.

 

Uno dei lavori di Dilella antecedenti al 2014, particolare, ph. Sofia Obracaj

Uno dei dipinti di Dilella antecedenti al 2014, particolare, ph. Sofia Obracaj

 

Lo zoom continua ed oltrepassa la superficie nei nuovi lavori, quando ci troviamo a vagare all’interno non più di una realtà sognata ma del pensiero stesso, nella sua manifestazione attraverso la scrittura. Uno sbocco naturale della linea per l’intelletto, per chi decide di disegnare con le parole.

Mi racconta l’artista che mentre faceva lezione di disegno aveva pensato di proporre agli allievi di lavorare sulla scrittura. Nasce così per gioco la serie con i lavori che mi colpirono la prima volta.

 

La materia di un dipinto, ph. Sofia Obracaj

La materia di un dipinto, ph. Sofia Obracaj

 

Come accennavo il primo sguardo all’opera coglie delle masse composte dalle parole minuscole, dove le forme non sono però pensate e pianificate dal principio: questi sciami di diverse tonalità grigie sono dati dal cambio di matita, passando dalla grafite dura o morbida senza soluzione di continuità in un gioco di equilibri tra pieni e vuoti, mentre le sfumature sono generate dal palmo della mano appoggiato sulla carta cancellando in parte la leggibilità del testo. Il gesto dimostra che la sostanza del lavoro non sta nel contenuto delle frasi, prese interamente dalle poesie della stessa artista, ma dalla predisposizione stessa delle lettere a farsi immagine: la scrittura ha quindi un valore universale e nella sua manifestazione formale rimanda al tratto pittorico, ossessivo e faticoso come il tratteggio di un disegno di pennellate leggere e insistenti.

 

Dilella mi mostra il suo lavoro, ph. Sofia Obracaj

Dilella mi mostra il suo lavoro, ph. Sofia Obracaj

 

L’artista mi dichiara in effetti il suo intento di recupero della gestualità liberatoria della pittura, confermata dal raffinarsi del trattamento del supporto e della sua colorazione, texture che mira a combinarsi con la controparte a matita se su carta, a china se su tela, secondo una costruzione originale rispetto alla pittura tout court. La tela non è mai bianca ma preparata con una base seppia e di diversi toni a seconda dell’opera, su questa base Dilella scrive e in seguito passa sulle lettere con dell’acrilico piuttosto acquoso, delle macchie sono poi generate dalla tamponatura con stracci. Anche questo procedimento che attenua il nero della china dove è impiegata per la scrittura, cancella in parte il testo.

 

Lavori su carta di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

Lavori su carta di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

 

Ecco allora davanti ai miei occhi racconti impossibili, spezzati e pur insistenti che materializzano un senso compiuto nel flusso, dove il limite visivo alla comprensione attira l’osservatore in un vortice di tanti piccoli suoni che vibrano sulla superficie trattata della carta o della tela, supporto per eccellenza della scrittura e della sua diffusione il primo, della pittura tradizionalmente intesa il secondo. Convivono unificati qui il mondo della cultura tramandata e quello della ricerca formale e coloristica, entrambi costituenti l’identità dell’artista.

 

La grafia a china insistente e tenace, ph. Sofia Obracaj

La grafia a china insistente e tenace, ph. Sofia Obracaj

 

La controprova del fatto che comunque una narrazione originaria nel testo esiste ( legato a ciò che stimola intellettualmente l’artista), anche se a noi giunge e vuole giungere la sua sublimazione in archetipo esistenziale, viene dai titoli delle opere che dipendono dal testo, come ad esempio “Dialogo a due”, insieme di argomentazioni sul confronto tra la Bibbia e il Corano.

 

particolari con il retro di Dialogo a due, ph. Sofia Obracaj

Particolari con il retro di Dialogo a due, ph. Sofia Obracaj

 

Chiara Gatti ha confrontato i lavori di Katia Dilella con la poetica Dada che rimescolava le parole per ricomporre un senso poetico dato dalla casualità; la gallerista Silvia Agliotti nel testo di presentazione alla mostra Segni e Racconti ricorda il procedimento dei calligrammi di Apollinaire, che partendo dal contenuto di un testo giungeva a rappresentare il contenuto stesso in “forme concrete”, mentre Dilella trasporta la scrittura fatta di grafica e contenuto in un addensarsi di segni astratti. Io penso alla scrittura automatica cara ai surrealisti, che portava il linguaggio scaturito dall’inconscio in primo piano.

 

L'artista e una sua opera, ph. Sofia Obracaj

L’artista e una sua opera, ph. Sofia Obracaj

 

Sono lezioni di gioco combinatorio sicuramente assimilate dalla mente di chi libera le parole dal contesto originario, ma l’assorbimento di tali esempi esce qui dal vincolo letterario; ciò che resta è la composizione di immagini attraverso le parole, qui nella loro veste grafica e simbolica. Dilella è figlia del proprio tempo e non necessita più di esplicitare una mappa mentale, ma è la condensazione dei segni stessi a restituirci un senso dell’esistenza attraverso il pensiero. Oggi più che mai, e soprattutto una pittrice, materializza il pensiero attraverso linee e colori fatti di parole, e la forma che appare sulle sue opere fatta di pieni e di vuoti la decide la grafia nel farsi disegno, perché è la materia a dichiarare che uso un linguaggio fatto di segni, quindi esisto.

 

Particolare della scrittura pittorica di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

Particolare della scrittura pittorica di Katia Dilella, ph. Sofia Obracaj

Michela Ongaretti

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Una rapsodia in bianco e nero con Nada Pivetta ed Enrico Cattaneo

Una rapsodia in bianco e nero con Nada Pivetta ed Enrico Cattaneo

E’ successo il 27 aprile 2016 a Milano.

Ha inaugurato la mostra Rapsodia, bipersonale di Nada Pivetta ed Enrico Cattaneo presso gli Eroici Furori di via Melzo 30.

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Due generazioni lontane, un uomo e una donna, la fotografia e la scultura, con le loro sperimentazioni come punto di contatto. La curatrice Silvia Agliotti spiega che il concetto di rapsodia è suggerito dagli scatti che Cattaneo ha realizzato sulle opere e nello studio dell’artista, entrata a far parte della collezione del Museo del ‘900: essi sono “spunti melodici quasi improvvisati” e nello stesso tempo narrazione di un processo che ha portato alla realizzazione delle sculture, come quelle presenti in forma antologica in galleria. Sono ceramiche che esibiscono una gloria materica frastagliata che pare fermata nell’atto di sbocciare, di aprirsi.

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Un ulteriore e reciproco passaggio di “congiunzione” è evidenziato nello studio preparatorio della scultrice nella prima sala, a richiamare la vocazione al bianco e nero del fotografo, lui che ha ritratto nella lunga carriera le espressioni dei grandi artisti del novecento come Fontana, Beuys, Boetti e Munari, solo per fare alcuni nomi. Quell’inchiostro su carta pare complice nella forma degli ultimi “esperimenti” vicini alla pittura di Cattaneo, intitolati “germinazioni”: acidazioni su carta fotografica incredibilmente attinenti alla poetica di una natura in “migrazione” di Nadia Pivetta. I loro riflessi metallici sono cangianti al punto di trasformarsi ancora nel corso del tempo? Domanda legittima della curatrice, alla quale il fotografo con candore risponde con l’augurio di un no. L’impressione fissata risponde al risultato desiderato, il pensiero sulla mutevolezza si esprime sempre nella visione di un attimo infinito, di uno scatto.

In mostra fino al 20 maggio

Michela Ongaretti

Fotografie di Sofia Obracaj

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Quaderni-Milanesi-di-Guido-Buganza-presso-la-galleria-Gli-Eroici-Furori

Michela Ongaretti incontra Guido Buganza agli Eroici Furori

Galleria Gli Eroici FuroriGalleria Gli Eroici Furori- Guido Buganza – Quaderni Milanesi

Guido Buganza Quaderni Milanesi alla Galleria Gli Eroici Furori a cura di Silvia Agliotti e patrocinata dal FAI (Fondo Ambiente Italiano).

Sabato pomeriggio sono stata a Gli Eroici Furori Arte Contemporanea  dove ho avuto modo di parlare con l’artista, prima che arrivassero numerosi visitatori a rivolgergli domande in occasione dell’apertura straordinaria per le giornate di Primavera del Fai.

Guido BuganzaGuido Buganza, La Stanza Blu

Durante il week end era possibile visitare beni non sempre aperti al pubblico come l’Albergo Diurno Venezia, luogo sotterraneo di grande fascino, e un tempo di grande utilità pubblica in città, legato alla mostra perché l’artista ha realizzato dipinti raffiguranti alcuni arredi ancora presenti presso l’Albergo dopo il restauro.

La gallerista e curatrice della mostra Silvia Agliotti ha associato il nome di Guido Buganza a quello del FAI,con una mossa intelligente e che ha dato buoni frutti in termini qualitativi e di risposta del pubblico. La delegazione FAI di Milano ha dato infatti il patrocinio all’esposizione e parte del ricavato delle opere vendute sarà devoluto a sostegno dei progetti di valorizzazione del Diurno Venezia e del patrimonio culturale d’Italia. Se quindi non lo avete ancora fatto consiglio vivamente la visita in via Melzo fino al 25 marzo.

Guido BuganzaGuido Buganza, Poltrona da Barbiere al Diurno

Guido Buganza ritrae un luogo attraverso i suoi particolari, la suapittura ad olio si sofferma su ciò che resta degli arredi dell’Albergo diurno destinato nei tempi andati a ristorarecon un bagno, una rasatura o una pedicure le membra stanche di cittadini o più spesso viaggiatori in transito a Milano, dove la toilette era un servizio pubblico inserito in un contesto elegante, progettato da un architetto di fama comePiero Portaluppi, lo stesso che ha realizzato la modernissima e lussuosavilla Necchi Campiglio, ora un vero e proprio museo, nell’area di Porta Venezia come il Diurno e come questo custodito, mantenuto e valorizzato dal FAI.

Mi domando se i suoi avventori si rendessero conto di stare all’interno di un gioiello architettonico dell’epoca, splendido esempio di Art Déco costruito tra il 1923 e il 1925 e raro esempio nel suo genere. Non sembra essere quello dello stile dell’edificio l’obiettivo dei “ritratti” di Buganza intento a ricercare piuttosto con le sue prospettive spiate, gli angoli nascosti e le sedie vuote il genius loci ancora vivente laggiù, sotto a Piazza Oberdan.

E lo spirito del luogo, fatto di intrecci di storie frammentarie, di presenze bisognose di una pausa dal trambusto della quotidianità o del viaggio aleggia sulle sedie del barbiere, sulle piastrelle, nelle tubature umide. Proprio di questaassenza/presenza umana mi ha parlato Buganza ragionando sullo stile di oggi e sul suo lavoro come scenografo di ieri.

Aveva iniziato come artista su tela, poi il diploma in Scenografia all’accademia di Brera lo porta dentro il mondo del teatro che lo impegna in moltissime realizzazioni per una carriera intensa di cui festeggia venticinque anni, e riapproda da pochi anni all’esclusiva dedizione di quello che definisce il grande amore che lo richiama a sé, la pittura.

Quaderni Milanesi Quaderni Milanesi di Guido Buganza, particolare di un dipinto

I soggetti che vediamo in mostra sono una logica conseguenza di questa scelta, quella del passaggio dalla scenografia alla disciplina che mi dice di farlo sentire “demiurgo di me stesso”,frutto di una riappropriazione di un linguaggio indipendente dalla visione scenica. Alcuni anni fa i suoi dipinti rappresentavano unicamente la figura umana, spesso attraverso particolari o ripresa da molto vicino: mi spiega che era come se volesse contrastare uno spaziointerpretato e vissuto come quello scenico, attorno a questi corpi. Come se temesse di affrontare un ambiente attorno alla figura in quanto non ancora emancipato ed evoluto dalla disciplina che lo ha impegnato per gran parte della sua esistenza. L’evoluzione era in corso, e risultati di questa ricerca costante li vediamo ne “I quaderni milanesicon la restituzione agli occhi di questo spazio attorno alla presenza umana, definita nella sua assenza, mediante gli oggetti per lei costruiti.

Non poteva essere diversamente per i lavori sull’Albergo Diurno, dovel’immaginario dell’osservatore si sviluppa su ciò che si avverte e non si vede, dove lo stato di conservazione di oggetti nel loro abbandono lascia intuire la precisa e frequente funzione del loro uso originario , dove il silenzioso e riflessivo fissarsi dell’immagine richiama i suoni dell’ attività quotidiana. Sono frammenti di un declino che richiama in vita una storia, molte storie, che ripopola di persone attraverso la visione degli strumenti di cui si servivano.

Scorrendo la sua biografia rimango colpita da due nomi tra i numerosi, come i premi nobel Dario Fo ed Harold Pinter per il teatro, due personaggi nel mondo della cultura che sono anche tappe della mia storia formativa e professionale.

Abergo Diurno VeneziaUn interno dell’ Abergo Diurno Venezia dipinto da Guido Buganza

Il primo è quello diEmilio Tadini, figura senza la quale questo articolo non potrebbe essere letto perché non esisterebbe ilmagazine creato dal figlioFrancesco Tadini – Milano Arte Expo – come non esisterebbe lacasa Museo e spazio d’arte Spazio Tadini sorto sullo studio dell’intellettuale, dove si è concretizzata per me la proposta di collaborazione più di un anno fa. Guido Buganza ha lavorato come scenografo per lo spettacoloLa Tempestatratto dal romanzo di Tadini nella stagione del Teatro Franco Parenti 1993/94, poi è stato suo assistente per Il Barbiere di Siviglia sempre al Parenti quando Tadini ideò eccezionalmente l’allestimento, scene e costumi dello spettacolo di Giovanni Paisiello per la regia di  Andrée Ruth Shammah. 

Ma l’attivissimo Spazio Tadini stesso è stato interessato ad una proposta partita direttamente da Buganza che aveva portato nella location di via Jommelli 24 gli spettacoli-performance “Quadrat-4 Sorelle” e “Quadrat-Gulliver” dell’artista uruguaiano Armando Bergallo. Si trattava di una piattaforma multimediale che fondeva musica, video, danza, recitazione, action painting,parte del percorso di ricerca del contrabbandista Nicola Arata conosciuto da Buganza durante la Biennale di Venezia nel 2008.

Mi racconta di come fosse stato coinvolto nel favoloso mondo artistico di Bergallo, nella sua colonia artistica vicino a Bergerac in Francia formata da artisti, musicisti, danzatori e attori, che ogni anno realizza un piccolo festival di musica e pittura. Capisco come deve essere stata un’esperienza di immersione d’arte generosa, forse utopica, ma che fortunatamente è riuscita a fare arrivare in Italia un poco di quella polvere di magia.. peccato non esser stata presente a Spazio Tadini nel 2009.

Una rara immagine dello spettacolo Quadrat di Armando Bergallo, in scena a Spazio Tadini nel 2009Una rara immagine dello spettacolo Quadrat di Armando Bergallo, in scena a Spazio Tadini nel 2009

Il secondo nome è quello di Peter Greenaway, importante per me perché è stato soggetto della mia tesi di laurea, per cui Guido Buganza lavora nel 2007 a “Peopling The Palace” presso la restaurata Venaria Reale come scenografo e pittore.

Greenaway mi era già balzato in mente quando ho parlato alla rievocazione delgenius loci di Buganza, presente anche nei film dell’inglese, spesso metaforizzato da un personaggio enigmatico o beffardo. Ho collegato anche l’opera dei due nel differente approccio al pensiero della vita in un luogo splendido ma ormai abbandonato. Buganza affronta l’assenza come aggirandosi nell’intimità del singolo umano per dichiararne il passaggio, nei “Quaderni Milanesi”, mentre il regista ricostruì la vita di corte per filo e per segno, ricreò un’immaginaria e generosa schiera di rumorose presenze, con tutta la sua ridondante gerarchia tra servitori, cuochi e dame, nell’installazione multimediale.

Guido BuganzaGuido Buganza – installazione Peopling the Palace di Peter Greenaway, il pavimento in cuoio è stato realizzato da Buganza in veste di scenografo

Fu in una parola più “teatrale” nel senso della spettacolarizzazione delle azioni, e corale rispetto al lavoro per il Diurno, ma la logica della finzione ha coinvolto più del previsto Buganza che mi ha raccontato di esser stato ingaggiato inizialmente per contribuire alla scenografia, e di essere stato poi notato dallo stesso Greenaway che gli chiese di dipingere. Ho chiesto in che modo, dato che non ricordo interventi pittorici nella video installazione: l’artista ha colmato le “lacune” delle riprese ai ritratti di corte reali della reggia, ritraendo attori come se fossero i personaggi storici mancanti.

Quando vidi al tempo l’opera non me ne ero accorta..così il gioco dell’artificio edella beffa della ricostruzione ha funzionato in pieno stile Greenaway e Buganza ha dato prova della sua capacità tecnica come pittore, ciò che ancora oggi rientra nel suo lavoro come caposaldo.

Di questo mi aveva parlato quando volevo conoscere il legame con la sua iniziale attività di incisore: una disciplina che presuppone la “priorità tecnica” e che ha “innestato il suo DNA” nella pittura, così che con la padronanza di uno stile, aumenta il “grado di fiducia nelle proprie possibilità” e la realizzazione di un soggetto nasce e cresce agevolmente, procedendo subito come “divertimento”, rivelando la personalità dell’autore aggiungo io.

Termino ricordando che questa sensibilità intimista e tecnica ha attirato negli anni l’attenzione di critici e uomini di cultura del calibro di Aldo Busi, Vittorio Sgarbi, Nicola Gardini e Mario De Micheli.

Cosa ha lasciato Quaderni Milanesi in me: l’immersione nell’atmosfera dell’assenza rivelatrice attraverso il colore ad olio, e il respiro del teatro in pittura.

Michela Ongaretti