La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

La memoria dei materiali. Visita allo studio di Matilde Dolcetti, restauratrice a Milano

La memoria dei materiali. Visita allo studio di Matilde Dolcetti, restauratrice a Milano

La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

La tavolozza di Matilde Dolcetti, restauratrice

 

I protagonisti dell’Arte non sono solo i suoi creatori, ma anche coloro che si prendono cura delle opere per permettere alle generazioni future di poterle vedere e capire.

Se per la comprensione del valore estetico (forse) c’è ancora bisogno di persone capaci di trasmettere un contenuto profondo, come idealmente i critici e gli storici dell’arte, è essenziale che le opere stesse si possano conservare e leggere. Questo è ovvio per le opere antiche, ma lo è un pò meno per quelle contemporanee, da quando non sono costituite di sola pittura ma di materiali più svariati, spesso di assai facile deperibilità.

 

Il tavolo da lavoro nello studio di Matilde Dolcetti

Il tavolo da lavoro nello studio di Matilde Dolcetti

 

Per questo ho voluto incontrare la restauratrice Matilde Dolcetti, un leader del settore, esperta e conoscitrice della materia di cui è fatta l’Arte.

Sono andata a trovarla nel suo laboratorio, in un pomeriggio milanese d’inizio autunno.
Mi accoglie con la sua personalità croccante, con l’entusiasmo di chi non si accontenta delle sua esperienza ma cerca costantemente l’aggiornamento e il confronto curioso con i professionisti internazionali.

Il suo intervento è stato richiesto per opere di grandi protagonisti del novecento come Adami, Agnetti, Capogrossi, Piacentino, Man Ray, Albertini, Hsiao Chin, Alys, Fontana, Angeli, Arienti, Picabia, Balla, Baj, Biasi, Funi, Boccioni, Bonalumi, Calderara, Carrà, De Chirico, Dova senza esaurire l’elenco.

 

Tra gli strumenti un metro gadget di Gio Marconi

Tra gli strumenti un metro, gadget di Gio Marconi


Inizio con una domanda all’apparenza banale, ben sapendo che non esistono domande banali se le risposte sono accurate.

Matilde qual è il suo lavoro?

Fino a poco più di dieci anni fa mi definitivo restauratrice di dipinti, ora mi occupo anche di opere moderne e contemporanee lavorando spesso sul tridimensionale, sculture o installazioni, collage, materiali non tipici della pittura. Questa scelta ha cambiato radicalmente il mio modo di operare perché l’intervento su opere contemporanee obbliga il restauratore a stimoli continuamente nuovi, a incontri con gli artisti per seguire la costruzione del loro processo creativo, conoscere quelle tecniche esecutive che prima, trattando solo pittura antica, non erano così frequenti.

 

La restauratrice ci mostra la stravaganza iconografica di un dipinto

La restauratrice ci mostra la stravaganza iconografica di un dipinto

 

E’ necessario conoscere nello specifico il comportamento nel tempo di questi materiali “sperimentali”? Sono molto diversi tra loro…immagino sarà coadiuvata da molte personalità del settore.

E’ fondamentale la conoscenza intrinseca di ogni materiale su cui si va ad operare, una continua e costante formazione, seguire corsi di aggiornamento e studiare le pubblicazioni dei colleghi. Ad esempio, un paio di anni fa, ad un corso sul restauro e la conservazione della plastica all’Università di Amsterdam, ho appreso come comportarmi in presenza di questo materiale, per sapere come trattarlo e conservarlo nel futuro. Però di fronte ad un progetto concreto, e nelle fasi di intervento, bisogna consapevolmente avvalersi di colleghi specializzati nei materiali specifici e lavorare in equipe. E’ necessario capire che non si può pretendere di essere poliedrici nel nostro campo.

 

Gli strumenti del mestiere

Gli strumenti del mestiere

 

Non è ovvio domandarsi chi sono oggi i suoi clienti. L’Italia con i suoi collezionisti è una presenza forte?

Si, la maggior parte dei collezionisti privati che si rivolgono a me sono italiani, e si avvalgono del mio lavoro alcune importanti fondazioni milanesi.
I primi comprano spesso come forma di investimento diversificata. A volte si affidano ad un art dealer che acquista e rivende per loro e le opere vengono direttamente messe in un deposito senza essere nemmeno tolte dalla cassa in attesa che il loro valore salga. Altri collezionisti usano ruotare le opere all’interno della casa esponendone di diverse ogni tre mesi, amano le opere tridimensionali e di grandi dimensioni. Questi clienti sanno come è necessario conservarle correttamente e spesso il mio intervento si limita al controllo dello stato, ogni volta che escono e rientrano nei depositi.
Lo stesso tipo di intervento riguarda le Fondazioni: il vantaggio è che queste hanno un conservatore fisso che si cura della tutela dei loro beni, ma essendo aperte al pubblico subiscono spesso la curiosità e la voglia istintiva di toccare dei visitatori con conseguenti danni.

 

Un ricordo delle commissioni per la Fondazione Prada

Un ricordo delle commissioni per la Fondazione Prada

 

L’acquisizione dei clienti nel restauro si basa sul passaparola. Un po’ come si cerca un buon medico: non si va su internet e spesso quando si trova un bravo restauratore si diventa un po’ gelosi e si è restii a dare il suo nome, per poter tenere il professionista libero per un futuro incarico.
A Milano i restauratori con una certa esperienza che si occupano di interventi sul moderno e contemporaneo sono ancora pochi, si contano sulle dita d’una mano.

 

Il restauro è anche fotografico presso lo studio Dolcetti

Il restauro è anche fotografico presso lo Studio Dolcetti

 

Leggo nella sua biografia che si è formata con Edo Masini, docente di restauro di dipinti presso l’Opificio delle Pietre Dure, e di aver in seguito collaborato a lungo con lo studio Pinin Brambilla di Milano. Quali sono secondo lei oggi gli enti accreditati di maggior valore per la formazione di un restauratore, le realtà che si muovono attivamente nella ricerca scientifica?

Due capisaldi per la formazione sono sempre l’Opificio delle Pietre Dure di Firenze e L’Istituto Centrale del Restauro a Roma, sul Moderno e  Contemporaneo oggi sta sviluppandosi sempre più la Scuola della Venaria Reale di Torino.
Non si può pensare di parlare di restauro del moderno e del contemporaneo se prima non si ha ricevuto una formazione solida sul restauro in tutti i suoi processi. Poi ci si specializza, ma prima bisogna affrontare tutto il discorso tradizionale.
Inoltre è fondamentale far seguire al ciclo di studi un periodo di formazione ed esperienza di alcuni anni presso degli studi di restauro per l’applicazione di ciò che si è appreso, continuo a sconsigliare di aprire subito uno studio dopo il diploma.

 

Precisione scientifica

Precisione scientifica

 

Lei è originaria di Venezia, cosa mi può dire delle differenze, se ve ne sono, tra la pratica del restauro a Milano e in altre città?

Non lavoro a Venezia da moltissimi anni per cui non posso fare un confronto, ricordo un antico mondo fatto di botteghe e pratica artigianale, nel bene e nel male. Posso però  elencare i vantaggi di fare un lavoro come il mio a Milano, come la possibilità di frequentare numerose gallerie e di conseguenza i loro artisti e collaborare con loro. Ci sono le grandi case d’aste i cui possibili acquirenti chiedono al restauratore una consulenza sull’opera che vorrebbero battere in asta, c’è movimento nelle collezioni. Inoltre c’è forse più facilità per noi operatori nel reperire i materiali, e credo  ci sia lavoro per tutti. Almeno per il momento.

 

Memorabilia della restauratrice

Memorabilia della restauratrice

 

Non ha mai pensato di fare didattica?

E’ una questione di scelte, credo che l’insegnamento e le pubblicazioni richiedano molto tempo tale da toglierne al laboratorio, e di impostare il lavoro in maniera diversa. Alcuni colleghi lo fanno abitualmente ma a quel punto l’attività diventa un’impresa con delega obbligatoria a collaboratori per gli interventi sulle opere. Io preferisco continuare a lavorare sul campo, essere io responsabile di quello che esce dal mio laboratorio e dedicarmi alla formazione personale. Ad esempio il prossimo seminario tratterà il restauro e la ricostruzione digitale 3D e sarà organizzato dal centro di studi CESMAR7.

 

Particolare del laboratorio

Particolare del laboratorio

 

A quali problematiche va incontro più spesso un’opera d’arte contemporanea?

I materiali costitutivi sono il problema maggiore , si pensi alle opere di Gilardi in gommapiuma o al polistirolo di Colombo , materiali non testati nel tempo e molto fragili che andrebbero esposti con parametri rigidissimi di temperatura luce e umidità. Spesso è la movimentazione che rovina le opere : trasporti fatti con personale non specializzato oppure la manutenzione errata o la sottovalutazione dell’opera stessa spesso viene affidata alle cure del personale di servizio in casa, non preparato a trattare con manufatti artistici.
Oppure ci si mette il caso..(mi mostra un’’opera di
Francesco Vezzoli che ha subito un allagamento).
Spesso le soluzioni per intervenire le troviamo in campi che esulano dal nostro: ad esempio mi fu sottoposto un danno su un’installazione costituita da vecchio cuoio che era stata vandalizzata con una penna a sfera verde che non era possibile asportare in alcun modo.La soluzione la trovai da un dermatologo che la asportò con la macchina usata per eliminare i tatuaggi: questo dimostra l’importanza di una mente aperta, inventiva, e la comparazione con materiali simili.

 

Filtri di prova per la pulitura

Filtri di prova per la pulitura

 

Si confronta con gli artisti sui criteri nella scelta di un intervento?

Se si tratta di artisti viventi cerco di consultarmi con loro per conoscere il loro modus operandi, la tecnica ed i materiali impiegati. Ad esempio anni fa mi successe di dover contattare Emilio Tadini per un’opera che aveva dei sollevamenti di colore ed era molto difficile da fissare; quando al telefono gli chiesi che smalto avesse usato lui quasi vergognandosi mi disse che era vernice da carrozziere, e aggiunse che l’aveva utilizzata solo per un breve periodo. Si scusò mille volte per la fatica che stava facendomi fare!

 

La cartella colori autoprodotti

La cartella colori autoprodotti

 

 

ln ogni caso la loro consulenza e approvazione è fondamentale perché il rischio di un’operazione arbitraria anche minima è che l’opera venga disconosciuta, lo stesso vale per gli artisti scomparsi ma che hanno una loro Fondazione di riferimento : è importante rivolgersi a loro prima di progettare qualsiasi operazione e concordare con loro come agire. Ad entrambi i soggetti chiediamo anche quali sono stati gli interventi effettuati in precedenza. Sono ancora pochi gli artisti che si interessano di scegliere materiali che durino nel tempo, ma alcuni sono molto collaborativi e rendono meno difficoltoso il lavoro, soprattutto se stranieri. Ad esempio l’artista americano Gober è estremamente generoso e pignolissimo nel descrivere ogni materiale utilizzato e nel fornire le istruzioni per l’installazione.

 

Particolare di uno splendido dipinto in restauro presso lo studio

Particolare di uno splendido dipinto in restauro presso lo studio

 

Cosa è cambiato nel restauro, parlando solo degli ultimi vent’anni?

Moltissime cose, a parte corsi di aggiornamento allora rarissimi, i metodi erano piuttosto invasivi. Ora la ricerca continua si rivolge a materiali meno aggressivi, le puliture si fanno ad hoc per ogni opera tenendo conto del ph e della conducibilità della materia da trattare, usando pochissimi solventi scegliendo piuttosto tensioattivi o chelanti o morbidi gel che non penetrano negli strati pittorici. Le vernici e i colori sono autoprodotti negli studi di restauro sempre a seconda della materia da ritoccare.
In effetti a colpirmi è la tavolozza dei colori di Matilde e la  pulizia e l’ordine del laboratorio, che mi dimostra quanto mi dice sull’importanza di operare in sicurezza sulle opere e sulle formule chimiche

Mi spiega che oggi il lavoro è più lungo ma si rispetta al massimo l’originalità dell’opera.

 

Particolare di un dipinto bisognoso di restauro

Particolare di un dipinto bisognoso di restauro

 

Fino a che punto vale la pena di intervenire?

Appartengo al filone del “minimo intervento” : ogni volta che un’opera entra nello studio di un restauratore subisce un’invasione anche se a fin di bene. Lo stesso spostamento dal luogo di installazione abituale al laboratorio è un piccolo trauma. Bisogna cercare di agire intervenendo solo e unicamente per risolvere l’eventuale problema, educare il proprietario che suggerisce interventi non necessari : verniciature per rendere il colore più brillante, puliture superflue, reintelaiature in presenza di piccole lacerazioni risolvibili con una sutura localizzata.
Ci sono poi casi dolorosi in cui
“l’accanimento terapeutico” è inutile e costosissimo per un cliente ad esempio in presenza di massicci attacchi di muffa uno dei peggiori nemici delle opere : la muffa aggredisce e divora inesorabilmente e se si arriva troppo tardi nulla si può fare se non rinunciare all’opera . C’è chi decide di ridipingere totalmente ( in alcuni casi in America ridipingono totalmente le opere degli anni 50  esposte all’aperto ) o sostituire dei pezzi con materiali totalmente nuovi invece di cercare di restaurarli : più velocità e meno fatica ma a quel punto l’opera è stata fatta dall’artista o dal restauratore o a quattro mani? E in che epoca ? oggi o ieri?

 

Craquelure in evidenza su un dipinto in fase di restauro da Matilde Dolcetti

Craquelure in evidenza su un dipinto in fase di restauro da Matilde Dolcetti

 

Matilde riflette su come la deformazione professionale la porti istintivamente ad osservare l’opera esposta dal punto di vista scientifico e materiale e avvicinarsi fisicamente ad essa, quando vede in seguito la stessa opera in una mostra le pare di guardarla per la prima volta, godendone come un qualsiasi spettatore amante dell’arte.

E’ molto interessante come la visione della restauratrice dimostri che la conoscenza è spesso una questione di approccio, di come la fruizione mostri l’opera d’arte vicinissima all’essere umano, come chi l’ha generata la sua comprensione è sempre condizionata al contesto.

 

Un angolo dello studio Dolcetti

Un angolo dello studio Dolcetti

 

Termino questo viaggio nel restauro con la curiosità di un’area inesplorata.
Matilde mi parla spontaneamente del suo interesse verso la Street Art, o meglio dei murales, che la critica acclama da tempo come opere degne di interventi per la loro conservazione. La restauratrice ha trovato nell’Università di Atene contatti con professori universitari che si stanno dedicando allo studio e alla conservazione dei murales e sta progettando una collaborazione con loro. Il murale viene costruito secondo la filosofia della sovrapposizione
e il compito delicato, e interessante socialmente, è proprio quello di capire e decidere cosa e come vada mantenuto.

In Italia non è ancora così diffusa la cultura tutelativa della pittura di strada, se si pensa che Philadelphia, dove esistono più di duemila murales, utilizza l’1% delle tasse per sostenere gli artisti e la ricerca per la conservazione di tali opere. Nei progetti di Matilde Dolcetti c’è lo studio della struttura chimico-fisica dei murales e la sua evoluzione negli anni per restauro e conservazione  adeguati.

Michela Ongaretti

Foto di Giovanni Manzoni Piazzalunga

galileochini-laprimavera

Tecnologia per l’arte. Il Led TRI-R di Toshiba Materials per la Mostra sul Simbolismo a Palazzo Reale

Tecnologia per l’arte. Il Led TRI-R di Toshiba Materials per la Mostra sul Simbolismo a Palazzo Reale

DI MICHELA ONGARETTI

 Il LED TRI-R di Toshiba Materials a Palazzo Reale – testo di Michela Ongaretti.

Toshiba Materials ha lanciato sul mercato in collaborazione con TOL Studio il Led di nuova generazione TRI-R, utilizzato per l’illuminazione di alcuni capolavori della mostra “Il Simbolismo. Arte in Europa dalla Belle Époque alla Grande Guerra”, a Milano presso Palazzo Reale fino al 5 giugno. L’esposizione è promossa dal Comune di Milano-Cultura e prodotta da 24 ORE Cultura e da Arthemisia GroupIl progetto illuminotecnico è a cura dell’architetto e lighting designer Francesco Murano e gli apparecchi illuminanti sono stati realizzati dall’azienda Rimani.

Ferdinand Hodler, L'eletto, 1893-94, in mostra a Palazzo Reale

Ferdinand Hodler, L’eletto, 1893-94, in mostra a Palazzo Reale

Può la tecnologia aiutare la creazione artistica e la sua fruizione, o anche semplicemente avvicinare alla visione originaria dell’artista per opere storicizzate? Nei primi due casi la risposta non può che essere si, a giudicare da due eventi ai quali ho assistito con entusiasmo quasi infantile. Nel terzo caso il led di Toshiba mi auguro sarà solo uno tra i vari esempi al servizio della diffusione e della conservazione dei beni mobili mondiali.

Franz Von Stuck,Il Peccato, 1893, tra i capolavori della mostra in corso a Palazzo Reale

Franz Von Stuck,Il Peccato, 1893, tra i capolavori della mostra in corso a Palazzo Reale

 

L’ultimo mio intervento critico è stato in occasione della mostra di Eleonora Prado Moleskine e i viaggi d’artista” dove l’artista ha mostrato l’utilizzo dello Smart Writing Set di Moleskine: esso favorisce il trasferimento in tempo reale dal disegno a mano libera sul supporto digitale, strumento indispensabile per fermare le impressioni di un creativo “in movimento”.

Sempre nel mese di Aprile la Design Week milanese ha visto a Palazzo Reale l’installazione Hyperplanes of Simultaneity di Fabio Giampietro, impensabile senza le nuove tecnologie con lo strumento Oculus Rift, una maschera dotata di uno speciale visore 3D originata dall’industria dei video game. Lo strumento visualizza l’elaborazione digitale di Alessio De Vecchi della pittura di Giampietro, caratterizzata da forzature prospettiche e la concomitanza di diversi punti di vista. Se da un lato questa tecnologia ha potuto coadiuvare l’opera artistica, nello stesso tempo la enfatizza trasformandola in esperienza pittorica “immersiva”, entrando nell’ambito della sua fruizione.

Il Peccato di Von Stuck prima e dopo l'illuminazione Toshiba Materials

Il Peccato di Von Stuck prima e dopo l’illuminazione Toshiba Materials

 

Fare arte non è da tutti, ma poterne godere può essere per molti. E restando dalla parte di chi guarda oggi è possibile farlo sempre meglio. Il lighting partner per la mostra sul Simbolismo Europeo, Toshiba Materials, ha avuto modo di dimostrare al pubblico l’illuminazione che avvicina la visione moderna a quella dei contemporanei degli artefici dei capolavori esposti.

Per la mostra curata da Fernando Mazzocca e Claudia Zevi in collaborazione con Michel Draguet, tra i dipinti più rappresentativi ne sono stati selezionati 5: L’Elu di Ferdinand Hodler, Il Peccato di Franz Von Stuck, Le vergini savie e le vergini stolte di Giulio Aristide Sartorio, La Giovinezza di Giorgio Kienerk e La primavera classica di Galileo Chini.
Galileo Ghini La Primavera classica, 1914, illuminata da TRI-R

Galileo Chini La Primavera classica, 1914, illuminata da TRI-R

 

La tecnologia brevettata di TRI-R si avvicina a quella dello spettro solare diminuendo la componente blu della sorgente luminosa: il risultato è una luce naturale sulle opere d’arte, senza alcun bagliore e simile a quella del momento del concepimento artistico, non altera i colori e rende con nitidezza i dettagli e la texture, inoltre premette in alcuni casi l’apprezzamento delle ricche cornici. L’obiettivo di avvicinarsi alla luce solare, più “confortevole” per ‘occhio umano si unisce alla vitale importanza in ambito museale per la fedeltà cromatica, il contrasto e la protezione delle opere dal calore emanato dalle fonti luminose. La sperimentazione giapponese è arrivata a questo mediante la rimozione di raggi ultravioletti dannosi e di raggi infrarossi ad alto calore radiante, con la combinazione di Led viola e la tecnologia brevettata da Toshiba Materials per il fosforo. I colori di un dipinto sono resi in modo naturale con la luce bianca generata da TRI-R.

Giorgio Kienerk, La Giovinezza, 1902

Giorgio Kienerk, La Giovinezza, 1902

 

Il presidente di Toshiba MaterialsKumpei Kobayashi ha confermato il suo interesse per l’arte con la sua presenza all’inaugurazione della mostra in Palazzo Reale, ma TRI-R è già stato protagonista in tal senso a Milano, per la Pinacoteca Ambrosiana ha interessato alcuni capolavori di Leonardo da Vinci, di Caravaggio e di Brueghel, e lo sarà sempre più in Europa nel percorso che lo porterà ad illuminare altre eccellenti realtà museali.

Prima e dopo TRI-R de La Giovinezza di Giorgio Kienerk

Prima e dopo TRI-R de La Giovinezza di Giorgio Kienerk

 

Il dirigente ha sottolineato il significativo aumento della “brillantezza cromatica in tutte le cinque tele illuminate con TRI-R, senza sgradevoli virate su alcune tonalità di colore dominanti. Questo grazie allo spettro continuo di TRI-R, senza i picchi né le assenze di colori specifici, come ad esempio la gradazione dell’azzurro tenue della veste degli angeli nell “L’eletto” di Ferdinand Hodler, e la splendida pala d’orata del “Le vergini savie e le vergini stolte” di Giulio Aristide Sartorio. Colpisce anche la vivacità multicolore, in particolare del viola, espressa nel “La Primavera classica” di Galileo Chini.”

Giulio Aristide Sartorio Le Vergini savie e le Vergini stolte, 1890-91, a Palazzo Reale

Giulio Aristide Sartorio Le Vergini savie e le Vergini stolte, 1890-91, a Palazzo Reale

 

Altri appuntamenti milanesi recenti per il Led di nuova generazione sono stati:Expo 2015, non poteva mancare nelristorante del padiglione giapponese, dove le caratteristiche di TRI-R hanno favorito l’attenzione alle cromie dei cibi e al benessere dell’ambiente, e ilSalone del Mobile 2015 con Euroluce.

In quell’occasione il progettista Ingo Maurer ha scelto questa tecnologia per la nuova versione a Led della famosa lampada Lucellino, dimostrando la sua opportuna applicazione nel mondo dell’industrial design.

La lampada da tavolo Luccellino, design Ingo Maurer

La lampada da tavolo Luccellino, design Ingo Maurer

 

Conferma dell’importanza di TRI-R è stata la sua presenza nel marzo 2016 alla fiera Light &Building di Francoforte, la principale per l’illuminotecnica in Europa.

Spostandoci invece verso il settore medicale, l’eccezionale visibilità e individuazione del colore hanno migliorato le condizioni nella sala operatoria.

Michela Ongaretti